Le pouvoir médiatique des plateformes numériques s'est également fait sentir dans la sélection des films nominés, faisant oublier les grands studios. En ce sens, Netflix a mené la soirée avec 36 nominations réparties entre des films tels que "Mank" réalisé par David Fincher, "The Trial of the Chicago 7", réalisé par Aaron Sorkin, et "Ma Rainey's Black Bottom" de George C. Wolfe . "Nomadland" a été créé sur Hulu, "Sound of Metal" du réalisateur Darius Marder, lauréat du prix du meilleur montage et son, a fait ses débuts sur Amazon, et "Judas and the Black Messiah" a été diffusé par HBO.
Tout cela augure d'un tout autre avenir pour le cinéma hollywoodien, qui devra se plier aux exigences de l'ère numérique pour survivre. Une réalité que la pandémie a rendue plus tangible, en séparant davantage ceux qui ont accès à Internet, et donc peuvent travailler à distance et vivre virtuellement, de ceux qui doivent descendre dans la rue pour gagner leur vie au quotidien, avec le risque conséquent d'obtenir malades ou de perdre leur emploi s'ils ne le font pas.
"Nomadland" répond à bon nombre de ces préoccupations concernant l'avenir des Nord-Américains qui subsistent en tant qu'anciennes tribus nomades, sans racines et sans frontières, se déplaçant dans leurs camions d'un point du pays à un autre. Fern (Frances McDormand, Oscar de la meilleure actrice) perd son emploi dans le secteur industriel et décide de transformer son camion à domicile pour aller travailler où elle est embauchée temporairement, vivant dans des communautés avec des personnes dans des situations similaires. Cela a permis au réalisateur de montrer la réalité de ceux qui existent en marge du système, en créant des liens affectifs temporaires avec ceux qui « se retrouveront à un autre moment du chemin », comme l'indique l'un des protagonistes et adeptes de cette moyen de survie.
La combinaison de la fiction avec le documentaire, l'utilisation d'acteurs non professionnels et le travail de caméra capable de contraster les grands panoramas du paysage avec les cadres fermés de la protagoniste dans sa maison sur roues, a donné du dynamisme au film et a permis la le téléspectateur valorise le personnel par rapport au commercial. Ainsi, la première du film a eu lieu en plein air dans l'une de ces communautés et ceux qui y vivaient ont été invités à participer en racontant leurs expériences personnelles, en collaboration avec le réalisateur et les acteurs. Cela a généré un degré élevé de complicité, souligné par le comportement de ceux qui ont été impliqués dans le film ; en particulier McDormand, qui a inclus des tasses, des assiettes et d'autres articles de sa propre famille dans sa maison motorisée.
La force de la famille et son influence sur le comportement de chacun de ses membres ont eu dans "Minari", lauréat du Golden Globe du meilleur film étranger et nominé aux Oscars du meilleur film, un développement affectif et personnel, de la main de son réalisateur Lee Isaac Chung, nominé pour le meilleur réalisateur, qui a revécu avec elle son enfance dans une ferme de l'Arkansas. Le film tourne autour des hauts et des bas d'une famille coréenne transplantée dans l'Amérique profonde pour se consacrer à la culture de légumes et d'herbes de leur pays. L'utilisation du coréen et de l'anglais confère à la production une double appartenance, sans toutefois approfondir les différences entre les deux cultures ; surtout en ce qui concerne la perception de l'autre.
En fait, le racisme nord-américain, surtout dans les États du sud, se limitait à l'anecdotique, plutôt au film privilégiant l'interaction entre les membres de la famille. Ici, la puissance de la nouvelle et une bonne utilisation de l'humour ont été la clé du développement de la diégèse. Selon les mots du réalisateur : « J'ai grandi en sentant que les grands obstacles à surmonter avaient plus à voir avec la survie en famille, et moins avec les relations extérieures que nous entretenions avec la communauté. Le racisme existait et j'ai vécu des incidents terribles, mais quand je repense à cette époque, il s'agit plutôt de la ferme et des difficultés de s'entendre. »
Le contraste entre les scènes extérieures et les plans intérieurs a activé l'action filmique, permettant au spectateur de confronter ses peurs et ses luttes avec l'environnement, en plus de l'amener à revenir à une dynamique personnelle avec le groupe familial et ses membres. Quelque chose que "Le Père" - réalisé par le réalisateur et auteur français Florian Zeller à partir de sa propre pièce - synthétisé dans la relation entre un père atteint de démence - interprété par Anthony Hopkins, Oscar du meilleur acteur - et sa fille (Olivia Colman , nominé pour la meilleure actrice dans un second rôle).
Zeller réussit à transférer avec succès son œuvre de la scène à l'écran tout en conservant la densité des dialogues et, surtout, les monologues du père, obtenant l'Oscar du meilleur scénario adapté. L'utilisation de la caméra omnisciente, parcourant les différentes pièces de l'appartement de l'œil du protagoniste pour s'orienter à travers le monde labyrinthique de l'inconscient, a créé l'illusion cinématographique dans une atmosphère d'une grande richesse chromatique, renforcée par une cinématographie qui a privilégié des couleurs chaudes pour adoucir le transit de la vie en plénitude, vers l'inconnu de perdre le contrôle de soi. Quelque chose que Hopkins lui-même ressentait de très près : « Je savais comment le faire parce que maintenant je suis si vieux. J'ai 83 ans et j'ai très bien compris le rôle. C'était très facile d'agir ».
Un autre film nominé qui tournait autour d'une figure masculine était "Mank", avec Gary Oldman (nominé pour le meilleur acteur) dans le rôle d'Herman J. Mankiewicz, lorsqu'il avait la responsabilité d'écrire, avec Orson Welles, le scénario de "Citizen Kane" (1941). Les démons intérieurs de l'auteur et sa relation étroite avec Randolph Hearst (Charles Dance) et Marion Davis (Amanda Seyfried, nominée pour la meilleure actrice dans un second rôle) sont explorés dans un film qui récupère Hollywood de l'âge d'or.
Le noir et blanc de la cinématographie - qui a été réalisée avec la statuette -, la profondeur des cadres, l'utilisation du plan haché et les grands angles reflètent les techniques du film de Welles (joué par Tom Burke), avec qui Mankiewicz entrée contestée, car il soutenait que c'était lui qui avait écrit la majeure partie du scénario (le seul Oscar décerné au film à l'époque).
Les raccontos au passé donnent au réalisateur l'occasion de replacer Mankiewicz dans le contexte qui lui a permis de l'écrire, dissipant toute ombre de doute quant à sa paternité. Son contact avec les propriétaires des grands studios, sa proximité avec Hearst et Davis - il était fréquemment invité à Saint Siméon, l'immense manoir du publiciste - et la connaissance de l'intérieur des coulisses et des intrigues d'Hollywood, lui ont fourni l'expérience que Welles , arrivant de New York à Hollywood pour la première fois qu'il n'avait pas, et sans lequel il aurait été impossible d'écrire le scénario ; bien que Welles ait insisté pour être l'auteur principal, trahissant ainsi la confiance que Mankiewicz lui avait accordée.
Deux films également nominés qui parlent de trahisons, bien que moins personnels, étaient "The Trial of the Chicago 7" et "Judas and the Black Messiah". Le premier recrée la persécution de sept militants éminents, accusés d'incitation à la violence contre la Convention nationale démocrate de 1968 à Chicago, pour avoir protesté contre la guerre du Vietnam.
Le film d'Aaron Sorkin, également auteur du scénario nominé aux Oscars du meilleur scénario original, a maintenu la tension des affrontements entre l'establishment judiciaire et les militants, à travers une mise en scène intense qui a mis l'accent sur les jeux du coup contre coup, avec un Un travail de caméra agile notamment dans les scènes d'affrontements entre la société civile et les forces répressives de l'Etat. Une réalité très actuelle, non seulement aux États-Unis mais dans de nombreuses autres nations, face à la progression de l'absolutisme et des intolérances contre quiconque ne se plie pas aux desseins de ceux qui détiennent le pouvoir.
Les parallèles entre le passé et le présent ont été exposés très sincèrement dans la composition des cadres à l'intérieur et à l'extérieur du tribunal où les militants ont été jugés, avec les caméras de presse, les manifestants avec leurs banderoles criant leurs slogans et les corps de sécurité derrière leurs boucliers et des armes. Ou, selon les mots du réalisateur, évoquant des cas très proches de répression, notamment contre les personnes de couleur : « avec la fusillade de Breonna Taylor et Ahmaud Arbery et la mort de George Floyd, les manifestations se sont dissoutes à coups de gaz lacrymogène et de bâtons, la part du gouvernement de qualifier ceux qui ont protesté d'anti-américains, d'anarchistes et de communistes alors qu'en réalité, ce sont des patriotes ».
"Judas and the Black Messiah", quant à lui, a concentré la trahison dont Fred Hampton (Daniel Kaluuya) a été victime aux mains de William O'Neal (Lakeith Stanfield, nominé pour le meilleur acteur de soutien), un informateur du FBI, qui il a cherché à se débarrasser du chef charismatique des Black Panthers comme "le plus grand danger pour notre sécurité nationale". Comme dans "The Trial of the Chicago 7", ce film nous replonge dans un présent de brutalités policières, de racisme et de luttes de groupes opprimés pour se libérer. Et ici, il est intéressant de souligner le rôle important que le mouvement Black Panther a joué dans la création d'une conscience raciale et l'autonomisation de la population noire nord-américaine, pendant les années turbulentes mais positives pour les minorités, les années XNUMX du siècle dernier.
Le film de Shaka King, qui a également co-écrit le scénario original nominé aux Oscars avec Will Berson, remonte à ces années et intègre du matériel documentaire de l'époque dans la diégèse, apportant à notre contemporanéité la profonde division raciale d'un pas si Depuis des décennies où les Afro-Américains étaient publiquement lynchés comme un spectacle. En même temps, le film éduque les nouvelles générations et récupère le rôle important que la génération des années soixante a eu en leur donnant l'égalité sociale et plus d'opportunités pour former la population de couleur. Selon King : "beaucoup voient le film comme un outil potentiel pour éduquer la jeune génération". Quelque chose que Daniel Kaluuya a lui-même vécu lors de la préparation de son personnage, car il sentait que « Fred parlait à travers moi. À cette époque, il autonomisait le peuple. »
La production soignée, l'utilisation de gros plans larges, une photographie privilégiant le clair-obscur cherchant à retrouver la grisaille des événements historiques, et une cinématographie très ajustée à l'époque, ont donné au film son pouvoir de magnétiser l'attention d'un spectateur ouvert. aux différences. Une certitude que cette cérémonie, visible et invisible, a tenté de transmettre, mais a échoué. Cependant, il nous reste un solide ensemble de films qui ouvrent la voie à un nouvel Hollywood, très différent de celui laissé par la pandémie.