Du 2 au 14 juillet 2009
7 édition


Entre le 2 et le 14 juillet, quinze salles parisiennes ont ouvert leurs portes aux cinéphiles, pour leur faire découvrir de nouveaux talents grâce à la Compétition internationale courts et longs métrages, les dernières productions de réalisateurs déjà confirmés que le festival présente en avant-première en présence des équipes de tournage, des chefs-d'œuvre de l'histoire du cinéma, des invités d'honneur, des hommages, des cycles spéciaux pour les plus jeunes et du pays choisi chaque année pour mettre en valeur sa filmographie.
Lors de cette 7e édition, 12 longs métrages de pays aussi divers que le Kazakhstan, le Chili, l'Italie, les Pays-Bas et la Corée du Sud étaient présentés en compétition, ainsi que 17 courts métrages de Malaisie, de Pologne, de Taïwan, du Mexique et d'Argentine, entre autres.
Hommage a été rendu à l'actrice italienne Claudia Cardinale, à l'acteur français Jean-Pierre Léaud et au réalisateur Tsaï Ming-Liang, à travers des rétrospectives (l'intégrale dans le cas du réalisateur taïwanais).
Après les Philippines, la Turquie est cette année à l'honneur à travers un panorama d'une trentaine de films et de multiples rencontres avec les nouveaux talents de ce pays.
Parmi les films en compétition, notons The Other Bank de George Ovashvili (Kazakstan, 2009), Calimucho d'Eugenie Jansen (Pays-Bas, 2008) et Puccini et la fanciulla (Italie, 2008).
Chronique d'un conflit

Après la chute de l'Union soviétique, un conflit non résolu éclate en 1988 entre la Russie et la Géorgie au sujet de la province d'Abkhazie. La plus grande tragédie de ce conflit est que les Géorgiens et les Abkhazes ont les mêmes racines, mais la haine les a transformés en ennemis acharnés. L'histoire de The Other Bank ("L'autre rive") se déroule une décennie plus tard, vers la fin des années 90, sous le regard de Tedo, un enfant né avec le conflit et qui fait partie de ce que le réalisateur Ovashvili appelle "les enfants de la guerre", une génération qui a tout perdu, sa famille, sa terre, son avenir, vivant à la dérive dans un état constant d'impuissance. En ce sens, le rêve raconté par l'ami de Tedo (et qui est mis à jour en images vers la fin) sur un paysage de jungle dans lequel zèbres et girafes sont à la merci des lions, et le caneton en plastique que le petit garçon récupère des décombres dans lequel il transforma son ancienne maison. Le jouet cassé est une métaphore de l'enfance perdue, et la jungle, sans loi ni aucune protection de l'État, est un no man's land où seuls les plus forts survivent.

Singularités d'une fille blonde par Manoel de Oliveira

Le Liverpool de Lisandro Alonso

SExemple de petit texte. La douleur du Lorem ipsum s'assoit.

G. Deleuze écrit à ce propos dans L'Image-Temps, « ce qui définit le néoréalisme, c'est cette montée de situations purement optiques (...) fondamentalement différentes des situations sensori-motrices de l'image-action dans le réalisme antique ». Dans ce contexte, ce n'est plus le spectateur qui acquiert une posture d'observation passive face à l'action, mais le personnage « plutôt que de réagir, il enregistre. Plutôt que de s'engager dans une action, il s'abandonne à une vision ( ...) la situation dans laquelle il trouve déborde partout sa capacité motrice."(2)
Farrel semble agir et réagir à une situation donnée, mais ce long pèlerinage à travers les paysages enneigés de la Terre de Feu, ces dialogues anodins où le silence l'emporte sur les mots, cette fin ouverte et suspendue, nous font penser que les situations d'action-réaction dans que les personnages opèrent sur l'environnement dans un but précis et déterminé pour provoquer un changement dans la situation donnée, si présente dans le cinéma classique, ne fait pas partie de la recherche narrative de Lisandro Alonso. Ainsi, le spectateur a toujours le sentiment que « rien ne se passe » dans ses films.
Mais il y a aussi autre chose dans le cinéma d'Alonso, et c'est la relation presque mystique que ses personnages établissent avec l'environnement naturel qui les entoure. Là, la figure humaine est éclipsée, disparaissant même du cadre tandis que le paysage reste vide pendant un certain temps, comme s'il était le véritable protagoniste du film. L'environnement vide, froid et sombre de Liverpool ne fait que refléter esthétiquement la désolation et l'abandon de Farrell et de sa famille.

Prendre Woodstock de Ang Lee (États-Unis, 2009)

Nous sommes en 1969, peu avant l'arrivée de l'homme sur la Lune et en pleine guerre du Vietnam. Elliott Tiber traverse une mauvaise période financière et doit retourner vivre avec ses parents à White Lake, une ville du nord de l'État de New York. Tentant de sauver le motel des Tiber de la ruine financière, il voit son opportunité lorsque la ville voisine de Katskill refuse d'accueillir les milliers de fans du plus célèbre festival de musique hippie : Woodstock. Avec un simple appel téléphonique, Elliott fait venir 500 XNUMX personnes à White Lake trois semaines plus tard, changeant la vie de sa famille, de sa ville et de la sienne.
Au lieu de montrer la grande histoire de Woodstock, Ang Lee a choisi de se concentrer sur un adolescent en quête de sa propre identité, dans le processus menant à la découverte de son homosexualité et la lutte pour obtenir son indépendance d'un environnement familial oppressant.
S'ouvrant sur un gros plan d'un champ de fleurs de lilas et un montage en écran partagé, si cher au cinéma expérimental américain des années 60, le réalisateur américain d'origine taïwanaise nous plonge dans l'effervescence de toute une époque où jeunes ils rêvaient d'un monde de paix et d'amour.
La scène filmée avec une caméra subjective, dans laquelle on voit, avec Elliott -qui vient de consommer une dose de LCD- les dessins multicolores de la caravane se déplacer dans l'espace comme s'il s'agissait d'êtres vivants, s'avère être un moyen efficace de immersion obtenue grâce aux techniques modernes d'animation numérique.
Dans Taking Woodstock, le spectateur trouve une comédie brillante, dynamique, bien jouée, filmée et post-produite, drôle et profonde à la fois, un bijou précieux qui éblouit par sa simplicité sans grandes prétentions.

Les gagnants

Lors de la remise des prix qui s'est déroulée au MK2 Bibliothèque le lundi 13 juillet 2009, le jury de la 7e édition du Festival Paris Cinéma, composé de Vikash Dhorasoo, Chantal Lauby, AÏssa Maïga, Linh-Dan Pham et Bruno Putzulu Ils ont décidé à l'unanimité d'attribuer le prix du jury au long métrage du réalisateur géorgien George Ovashvili, The Other Bank. La majorité des spectateurs du festival ont voté pour La Nana, du Chilien Sebastián Silva, pour le prix du public et un jury spécial, composé d'étudiants universitaires, a voté pour Vegas : d'après une histoire vraie, de l'irano-américain Amir Naderi, pour le Prix ​​de l'Avenir (Prix de l'Avenir).
Parmi les 17 courts métrages de la Compétition Internationale, trois ont été primés : Le Prix du Public est allé à Diplomacy de Jon Goldman (Etats-Unis, 2009), le Prix Cinécinéma, à Vostok de Jan Andersen (France, 2008) et enfin L'Autre Monde de Romain Delange (France, 2008) a remporté le Prix de l'Emotion décerné par un jury représentant la firme Kookaï, mécène du festival.

Adriana Schmorak Leijnse

(1) - "A l'ère chrétienne, avec la relégation du serpent au rôle symbolique de Satan le tentateur, le dragon en vint de plus en plus à représenter le chaos, la puissance brute de destruction, le mal inhérent au monde de la matière." (Fontana, David. Le langage secret des symboles, Débat, Madrid, 1993, p. 80).
(2) - Deleuze, Gilles. L'image-temps. Études cinématographiques 2. Paidós Communication, Barcelone, 1987, p. 13.

Festivals

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