Du 2 au 14 juillet 2009
7 édition
Entre le 2 et le 14 juillet, quinze salles parisiennes ont ouvert leurs portes aux cinéphiles, pour leur faire découvrir de nouveaux talents grâce à la Compétition internationale courts et longs métrages, les dernières productions de réalisateurs déjà confirmés que le festival présente en avant-première en présence des équipes de tournage, des chefs-d'œuvre de l'histoire du cinéma, des invités d'honneur, des hommages, des cycles spéciaux pour les plus jeunes et du pays choisi chaque année pour mettre en valeur sa filmographie.
Lors de cette 7e édition, 12 longs métrages de pays aussi divers que le Kazakhstan, le Chili, l'Italie, les Pays-Bas et la Corée du Sud étaient présentés en compétition, ainsi que 17 courts métrages de Malaisie, de Pologne, de Taïwan, du Mexique et d'Argentine, entre autres.
Hommage a été rendu à l'actrice italienne Claudia Cardinale, à l'acteur français Jean-Pierre Léaud et au réalisateur Tsaï Ming-Liang, à travers des rétrospectives (l'intégrale dans le cas du réalisateur taïwanais).
Après les Philippines, la Turquie est cette année à l'honneur à travers un panorama d'une trentaine de films et de multiples rencontres avec les nouveaux talents de ce pays.
Parmi les films en compétition, notons The Other Bank de George Ovashvili (Kazakstan, 2009), Calimucho d'Eugenie Jansen (Pays-Bas, 2008) et Puccini et la fanciulla (Italie, 2008).
Chronique d'un conflit
Après la chute de l'Union soviétique, un conflit non résolu éclate en 1988 entre la Russie et la Géorgie au sujet de la province d'Abkhazie. La plus grande tragédie de ce conflit est que les Géorgiens et les Abkhazes ont les mêmes racines, mais la haine les a transformés en ennemis acharnés. L'histoire de The Other Bank ("L'autre rive") se déroule une décennie plus tard, vers la fin des années 90, sous le regard de Tedo, un enfant né avec le conflit et qui fait partie de ce que le réalisateur Ovashvili appelle "les enfants de la guerre", une génération qui a tout perdu, sa famille, sa terre, son avenir, vivant à la dérive dans un état constant d'impuissance. En ce sens, le rêve raconté par l'ami de Tedo (et qui est mis à jour en images vers la fin) sur un paysage de jungle dans lequel zèbres et girafes sont à la merci des lions, et le caneton en plastique que le petit garçon récupère des décombres dans lequel il transforma son ancienne maison. Le jouet cassé est une métaphore de l'enfance perdue, et la jungle, sans loi ni aucune protection de l'État, est un no man's land où seuls les plus forts survivent.
Un poème épique et tragique à la fois, dont le héros est un garçon de douze ans à travers les yeux duquel on voit à quel extrême de déshumanisation peuvent conduire la banalité de la violence et l'enracinement de la haine.
Loin des guerres, mais proche de conflits plus intimes, c'est Calimucho, sorte d'"envers les coulisses" du cirque ambulant Harlekino, la révélation du visage caché derrière le masque du clown toujours souriant. Le cirque est montré comme un monde marginal d'êtres nomades, déracinés, incapables d'établir des liens durables ni avec la terre qu'ils habitent ni avec leurs êtres les plus proches.
Bien que la société Harlekino existe et travaille aux Pays-Bas (le film se déroule à la frontière entre les Pays-Bas et l'Allemagne), et que le scénario soit basé sur les notes d'un voyage de plusieurs mois qu'un journaliste a fait avec eux, l'histoire elle-même n'est pas réel. Pour atteindre un maximum de naturel, le metteur en scène Jansen a laissé une grande liberté aux comédiens, laissant inédits des situations spontanées non prévues au scénario, comme celle du lama écoutant attentivement les prières des saisonniers maghrébins. Sous certains aspects, c'était travaillé comme un documentaire, c'était filmé avec une seule caméra sans répétition de plans, puis le montage était fait pour éliminer le superflu ou ce qui ne collait pas à l'intrigue.
Les acteurs ne sont pas des professionnels, ils font partie du personnel du cirque qui a été formé pour jouer leur propre rôle dans des circonstances différentes de leur vie réelle.
"Le cirque est un microcosme où toute l'Europe est représentée selon sa structure sociale", a déclaré Jansen dans son entretien avec le public après la projection. En effet, les propriétaires du cirque sont néerlandais, mais un groupe d'Allemands fait également partie de la compagnie qui refusent d'aider Dick, lorsque son partenaire Willy revient ivre au milieu de la représentation. Vers la fin, ces mêmes Allemands mènent la file des caravanes qui se dirigent ailleurs.
On retrouve aussi les Maghrébins précités comme Tarek, à qui Dick, la fille du propriétaire, ne cesse de demander les papiers qui lui permettent de travailler et qui finit par quitter le cirque car il se sent maltraité par ses patrons. Mais on constate aussi que la mère de Willy, une Belge francophone, n'arrive sur les lieux que dans le but d'installer la discorde dans le couple, alléguant que son petit-fils Timo ne mène pas une vie normale pour un enfant de son âge, après quoi Dick il accuse Willy d'être faible pour avoir obéi aveuglément à sa mère. De cette manière, les conflits internes à Calimucho acquièrent une signification politique au niveau continental.
Pour le film Puccini et la fanciulla, Paolo Benvenuti et Paola Baroni s'appuient sur une série de lettres récemment découvertes et sur un court métrage muet sépia datant de 1915, où Giacomo Puccini est enregistré dans son manoir de Torre del Lago.
La beauté bucolique du paysage inspire le maître dans la composition de son opéra "La Fanciulla del West", mais cette immobilité est troublée par un sombre épisode : l'une de ses domestiques, Doria Manfredi, se suicide après avoir été accusée par Elvira, la femme du compositeur, pour entretenir avec lui une relation secrète.
Le film est très loin des choix esthétiques réalistes si chers au genre biographique et documentaire. Il y a là une position esthétique qui met l'accent sur les aspects visuels et sonores, les met en valeur, les embellit, les poétise. Il n'y a pas de dialogue, tout se joue à travers des bruits et de la musique, tandis que la lecture de la carte a été enregistrée entièrement hors champ. C'est en grande partie un hommage au cinéma muet mais il a aussi été pensé comme une forme d'expérimentation du langage lyrique.
Paola Baroni rappelle que les sons naturels du lac ont été enregistrés sous différents angles pour leur donner une plus grande profondeur qui permettrait au spectateur de s'immerger dans l'atmosphère de la région toscane. De son côté, Paolo Benvenuti a souligné, en dialogue avec le public, qu'il s'inspirait pour la photographie des macchiaioli (teintures), un mouvement pictural qui s'est développé à Florence dans la seconde moitié du XIXe siècle, et qui, à l'instar de l'impressionnisme français , associe la représentation de la nature à des taches de lumière et de couleur, développant toujours son travail en milieu rural.
Avant-premières et film de clôture
Singularités d'une fille blonde de Manoel de Oliveira (France, Espagne, Portugal, 2009).
Racontée à la première personne par flashbacks successifs, cette adaptation cinématographique de l'œuvre du même nom écrite par la romancière portugaise Eça de Queirós est une peinture à l'huile subtile et intimiste des familles bourgeoises lusitaniennes du XIXe siècle, transférée par la magie du cinéma à la société contemporaine.
Macario, à la fois protagoniste et narrateur intradiégétique, travaille comme comptable dans l'entreprise que possède son oncle à Lisbonne. Chaque jour, par la fenêtre, il observe sa jolie voisine, une jeune femme de XNUMX ans aux longs cheveux blonds nommée Luisa Vilaça, qui vit avec sa mère dans l'immeuble d'en face. Au bout d'un moment, Macario tombe follement amoureux d'elle.
Ce qui au début semble être une simple histoire romantique finit par devenir une succession d'astuces et d'arnaques qui poussent Macario à prendre de longues vacances en Algarve.
Eça de Queirós était l'un des romanciers portugais les plus importants du XIXe siècle. Adversaire du romantisme, il introduit au Portugal le mouvement réaliste qui se développe alors déjà en France. En fait, beaucoup le présentent comme le Balzac ou le Flaubert portugais.
Idéologiquement proche de l'anarchisme, Eça de Queirós dépeint avec une extrême ironie les vices et l'hypocrisie de la petite bourgeoisie portugaise, son personnage étant Macario, le romantique naïf devenu une proie facile pour les fraudeurs et les carriéristes.
Bien que le roman se déroule au XIXe siècle, Oliveira a transféré la mise en scène dans la Lisbonne contemporaine, actualisant ainsi le conflit. La lumière, les couleurs, certains plans s'inspirent cependant de la peinture romantique et réaliste, notamment dans les Majas au balcon (1811) de Francisco de Goya et dans Le Balcon (1869) d'Édouard Manet, grand admirateur de la peinture espagnole. artiste. Sujet mis à part, les deux peintures se ressemblent dans le fort contraste d'éclairage entre le premier plan et l'arrière-plan, ce dernier étant un aspect caché, trouble et ombragé du premier. Dans le film d'Oliveira, Luisa est montrée appuyée sur la balustrade de la fenêtre au premier plan. Son visage blanc et ses cheveux blonds apparaissent bien éclairés, et son jeu de séduction se traduit par un jeu de dissimulation et de dévoilement de son visage à l'aide d'un éventail chinois dans lequel, ostensiblement, on peut voir l'image estampée d'un dragon (1). La mère de Luisa, une femme plus mûre aux cheveux noirs, passe comme une ombre à l'arrière-plan de la scène à la manière d'un marionnettiste manipulant les cordes de sa marionnette.
Liverpool de Lisandro Alonso (France, Argentine, Pays-Bas, 2008)
Marin depuis 20 ans, Farrel demande au capitaine du cargo qu'il travaille l'autorisation d'aller à terre rendre visite à sa mère en phase terminale. Arrivé dans sa ville, il découvre que sa famille compte un nouveau membre qu'il ne connaissait pas.
Comme dans tous les films de Lisandro Alonso (La libertad, 2001 ; Los muertos, 2004 ; Fantasma, 2006), les plans-séquences longs prédominent à des fins contemplatives plutôt que narratives. Ainsi, son langage est remarquablement proche de celui des avant-gardes d'après-guerre, comme c'est le cas du néoréalisme italien.
G. Deleuze écrit à ce propos dans L'Image-Temps, « ce qui définit le néoréalisme, c'est cette montée de situations purement optiques (...) fondamentalement différentes des situations sensori-motrices de l'image-action dans le réalisme antique ». Dans ce contexte, ce n'est plus le spectateur qui acquiert une posture d'observation passive face à l'action, mais le personnage « plutôt que de réagir, il enregistre. Plutôt que de s'engager dans une action, il s'abandonne à une vision ( ...) la situation dans laquelle il trouve déborde partout sa capacité motrice."(2)
Farrel semble agir et réagir à une situation donnée, mais ce long pèlerinage à travers les paysages enneigés de la Terre de Feu, ces dialogues anodins où le silence l'emporte sur les mots, cette fin ouverte et suspendue, nous font penser que les situations d'action-réaction dans que les personnages opèrent sur l'environnement dans un but précis et déterminé pour provoquer un changement dans la situation donnée, si présente dans le cinéma classique, ne fait pas partie de la recherche narrative de Lisandro Alonso. Ainsi, le spectateur a toujours le sentiment que « rien ne se passe » dans ses films.
Mais il y a aussi autre chose dans le cinéma d'Alonso, et c'est la relation presque mystique que ses personnages établissent avec l'environnement naturel qui les entoure. Là, la figure humaine est éclipsée, disparaissant même du cadre tandis que le paysage reste vide pendant un certain temps, comme s'il était le véritable protagoniste du film. L'environnement vide, froid et sombre de Liverpool ne fait que refléter esthétiquement la désolation et l'abandon de Farrell et de sa famille.
Prendre Woodstock de Ang Lee (États-Unis, 2009)
Nous sommes en 1969, peu avant l'arrivée de l'homme sur la Lune et en pleine guerre du Vietnam. Elliott Tiber traverse une mauvaise période financière et doit retourner vivre avec ses parents à White Lake, une ville du nord de l'État de New York. Tentant de sauver le motel des Tiber de la ruine financière, il voit son opportunité lorsque la ville voisine de Katskill refuse d'accueillir les milliers de fans du plus célèbre festival de musique hippie : Woodstock. Avec un simple appel téléphonique, Elliott fait venir 500 XNUMX personnes à White Lake trois semaines plus tard, changeant la vie de sa famille, de sa ville et de la sienne.
Au lieu de montrer la grande histoire de Woodstock, Ang Lee a choisi de se concentrer sur un adolescent en quête de sa propre identité, dans le processus menant à la découverte de son homosexualité et la lutte pour obtenir son indépendance d'un environnement familial oppressant.
S'ouvrant sur un gros plan d'un champ de fleurs de lilas et un montage en écran partagé, si cher au cinéma expérimental américain des années 60, le réalisateur américain d'origine taïwanaise nous plonge dans l'effervescence de toute une époque où jeunes ils rêvaient d'un monde de paix et d'amour.
La scène filmée avec une caméra subjective, dans laquelle on voit, avec Elliott -qui vient de consommer une dose de LCD- les dessins multicolores de la caravane se déplacer dans l'espace comme s'il s'agissait d'êtres vivants, s'avère être un moyen efficace de immersion obtenue grâce aux techniques modernes d'animation numérique.
Dans Taking Woodstock, le spectateur trouve une comédie brillante, dynamique, bien jouée, filmée et post-produite, drôle et profonde à la fois, un bijou précieux qui éblouit par sa simplicité sans grandes prétentions.
Les gagnants
Lors de la remise des prix qui s'est déroulée au MK2 Bibliothèque le lundi 13 juillet 2009, le jury de la 7e édition du Festival Paris Cinéma, composé de Vikash Dhorasoo, Chantal Lauby, AÏssa Maïga, Linh-Dan Pham et Bruno Putzulu Ils ont décidé à l'unanimité d'attribuer le prix du jury au long métrage du réalisateur géorgien George Ovashvili, The Other Bank. La majorité des spectateurs du festival ont voté pour La Nana, du Chilien Sebastián Silva, pour le prix du public et un jury spécial, composé d'étudiants universitaires, a voté pour Vegas : d'après une histoire vraie, de l'irano-américain Amir Naderi, pour le Prix de l'Avenir (Prix de l'Avenir).
Parmi les 17 courts métrages de la Compétition Internationale, trois ont été primés : Le Prix du Public est allé à Diplomacy de Jon Goldman (Etats-Unis, 2009), le Prix Cinécinéma, à Vostok de Jan Andersen (France, 2008) et enfin L'Autre Monde de Romain Delange (France, 2008) a remporté le Prix de l'Emotion décerné par un jury représentant la firme Kookaï, mécène du festival.
Adriana Schmorak Leijnse
(1) - "A l'ère chrétienne, avec la relégation du serpent au rôle symbolique de Satan le tentateur, le dragon en vint de plus en plus à représenter le chaos, la puissance brute de destruction, le mal inhérent au monde de la matière." (Fontana, David. Le langage secret des symboles, Débat, Madrid, 1993, p. 80).
(2) - Deleuze, Gilles. L'image-temps. Études cinématographiques 2. Paidós Communication, Barcelone, 1987, p. 13.