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Foire d'art de Rio de Janeiro
Marina de Glória, Rio de Janeiro
8-12 septembre 2021
Site web: www.artrio.com
Instagram : @artrio_art
Facebook : @feiraartrio Youtube : www.youtube.com/c/ArtRioFeira
Linkedin : www.linkedin.com/company/feira-artrio/
#arthrium
# artrio2021
#partage


Par Adriana Schmorak Leijnse

En 2021, entre le 8 et le 12 septembre, ArtRio a atteint sa 11e édition. Poursuivant le modèle réalisé l'année dernière, la foire a eu sa forme en face-à-face, à Marina da Glória, et également un format virtuel au sein de la plate-forme ArtRio.com. Plus de 60 galeries et 16 institutions liées à l'Art y ont participé. ArtRio est fortement engagé dans la diffusion de l'art brésilien, le travail des galeries et des artistes. Tout au long de l'année dernière,
Il a agi sans cesse dans la communication de l'actualité liée au monde de l'art, avec la production de contenus riches publiés sur son site, la couverture d'événements tels que des expositions et des expositions, et une forte performance sur les réseaux sociaux.

"Avoir des événements en face à face est extrêmement important dans ce segment, où nous apprécions beaucoup de voir le travail de près, de parler avec l'artiste et de stimuler différentes émotions. En même temps, c'était une période où l'on comprenait mieux la portée, la dimension et les multiples possibilités de la performance numérique. Art Rio online a reçu en une semaine, en 2021, plus de 300 XNUMX pages vues, dont des visiteurs des États-Unis, du Royaume-Uni, de France, d'Espagne et du Portugal. Il était même possible d'avoir un programme complet de débats et de visites guidées en ligne», déclare Brenda Valansi, présidente d'ArtRio.

Le comité de conservation, composé des galeristes Alexandre Roesler (Galerie Nara Roesler), Antonia Bergamin (ancienne directrice de la Galerie Bergamin & Gomide), Filipe Masini et Eduardo Masini (Galerie Athena), Gustavo Rebello (Gustavo Rebello Arte), et Juliana Cintra (Silvia Cintra + Box 4), a sélectionné les galeries participant à l'événement 2021. Ces galeries ont été à leur tour, divisées en deux programmes : 

Panorama, auquel ont participé des galeries ayant des activités établies sur le marché de l'art moderne et contemporain.
Vista: programme dédié aux jeunes galeries, avec jusqu'à 10 ans d'existence, avec des projets d'exposition développés exclusivement pour la foire.

Pour l'événement en face à face, occupant le pavillon principal de Marina da Gloria, ArtRio a suivi tous les protocoles de sécurité indiqués par les organismes compétents, y compris l'obligation d'utiliser un masque, la disponibilité de gel hydroalcoolique et la distanciation sociale.  
Le nombre de visiteurs a également été limité, avec indication de l'heure d'entrée et de l'heure de séjour.

Varanda Art Rio, qui se trouve dans la zone extérieure de la Marina da Glória, avec une vue incroyable sur la baie de Guanabara et le mont du Pain de Sucre, est un bâtiment différent spécialement construit pour l'occasion, mais qui a été démantelé une fois l'événement terminé. .
Cet espace a reçu les galeries du programme SOLO, une sélection d'artistes pour la présentation de projets individuels particuliers. En 2021, huit artistes ont participé au programme et ont exposé leurs œuvres dans l'espace Varanda Art Rio, parmi lesquels on peut citer : Alessandra Rehder, Nathalie Cohen, Alexandre Mazza, Evandro Soares, Osvaldo Gaia, etc.

MIRA
En 2021, Art Rio a organisé la 5e édition du programme MIRA, dédié à l'art vidéo. Organisé par Víctor Gorgulho, le programme présentait des œuvres audiovisuelles d'artistes jeunes et établis de différentes générations.
"Si entre les années 1960 et 1980, les nouveaux supports d'enregistrement vidéo ont opéré une véritable révolution dans le domaine de l'art, aujourd'hui la production d'images se fait dans un monde saturé d'eux, entouré de stimuli de toutes sortes, déclenchés par des écrans de tailles de plus en plus vertigineuses et résolutions», a indiqué Víctor Gorgulho  

Institutions:
Suite à son engagement à valoriser l'art brésilien et latino-américain, et aussi à stimuler l'accessibilité à l'art, Art Rio a donné un espace à d'importantes institutions pour présenter leurs œuvres. Parmi eux : MAM Rio, EAV, Funarj, MT Proyectos de Arte, Secrétariat de la Culture de l'État de Rio de Janeiro, etc.  

Art Rio en ligne:
La plateforme en ligne Art Rio a retransmis l'intégralité du programme de conférences et d'entretiens entre artistes et commissaires, et des visites guidées de collections et d'ateliers. Il a également permis de faire une visite virtuelle des stands des galeries participantes, de voir la sélection d'œuvres et de s'entretenir directement avec les galeristes.  

Ensuite, nous allons lister nos artistes préférés, les galeries qui ont exposé leurs œuvres et une brève description de leur carrière.  

Luiz Escañuela
São Caetano do Sul, SP, 1993
Workuvre : Saturnália das Commodities, 2021
Huile sur toile, 195 x 384 cm

Galerie Maluf, São Paulo, Brésil
Depuis l'âge de 6 ans, Luiz Escañuela dessine des dessins d'observation et de dynamique des couleurs. Il a suivi une formation en design graphique et a conçu sa première série d'œuvres d'auteur à l'âge de 20 ans, lorsqu'il a commencé à étudier les arts visuels. Dans ses études, Escañuela approfondit les théories de l'art contemporain, développant une ligne de recherche où il commence à utiliser sa technique en faveur de récits conceptuels.
À partir de là, son travail a pris comme ligne directrice principale la minutie de la technique de l'huile hyperréaliste, ainsi que les expérimentations théoriques sur la représentation anatomique, l'insérant dans de nouveaux contextes et lieux.
L'artiste utilise la représentation comme un instrument qui converge avec l'iconographie brésilienne, pour le développement de nouveaux récits visuels et conceptuels. En pratiquant la technique hyperréaliste ainsi que les thèmes de la dénonciation, il parvient à ce que les deux se rencontrent à partir de la fascination et de la réflexion que la peinture figurative éveille encore chez les gens.
Son travail propose la conception de l'être humain en tant qu'espèce et être social, recherchant les propriétés de la peau et du corps en juxtaposition aux thèmes historiques, iconographiques et cartographiques brésiliens. Pour Escañuela, l'artiste doit être attentif aux enjeux de son temps, en explorant la production des temps passés, en analysant les possibilités de proposer le nouveau et le perturbateur.
Dans « Saturnália das Commodities », Luiz Escañuela parvient à faire cohabiter la représentation des fêtes orgiaques romaines avec des morceaux de bœuf qui tachent de rouge un univers fendu et saignant. Placer ces objets en relation avec le titre, avec l'idée de matières premières, qui ne sont rien d'autre que des marchandises, généralement des matières premières comme la viande et les céréales, mais aussi des métaux comme l'or, le fer et le cuivre, qui servent de base à l'industrie mondiale.
Les morceaux de viande suspendus aux crochets de boucher sont symboliquement liés, par la couleur rouge-sang, à la sphère du monde, comme si l'univers dont nous faisons partie était également découpé pour être commercialisé.
À leur tour, les objets de la zone gauche du tableau sont conceptuellement liés aux corps humains fusionnés dans le saturnal du secteur opposé. La chair humaine finit par devenir, de la même manière, une matière première fonctionnelle pour le système industriel et commercial. Les figures de marbre, sculptures romaines enneigées, semblent désormais tachées de rouge et participent à l'orgie comme s'il s'agissait d'individus de chair et de sang.
Non moins importante est la manière dont l'artiste relie conceptuellement l'Empire romain à l'organisation politico-économique du monde actuel, tout aussi décadent, et ce de manière critique et ironique.  

Flávia Junqueira
São Paulo, 1985
Oeuvre : Engenho de Piracicaba #1, 2021
Pigment minéral sur papier coton, 150 x 206 cm

Galerie Zipper, São Paulo
Flávia Junqueira travaille principalement avec la photographie. L'univers visuel de l'enfance et la construction d'un imaginaire autour de cette première étape de la vie, imprègnent le travail de l'artiste dès le début de sa production.
En effet, sur la photographie présentée à ArtRio 2021, on voit au centre de la scène une montgolfière qui attire l'attention par l'espace qu'elle occupe et la variété de couleurs saturées qu'elle affiche, souvent utilisées dans les histoires, les dessins animés et les films pour enfants. . et même dans les jouets.
La montgolfière rappelle en quelque sorte le conte pour enfants "Le Magicien d'Oz" de Lyman Frank Baum et les romans de Jules Verne : "Cinq semaines en ballon" et "L'île mystérieuse". Ce ballon multicolore est accompagné de dizaines de bulles de savon, un jeu très courant chez les enfants, mais qui pourrait aussi faire allusion à la bulle de luxe dans laquelle on se trouve au milieu de la misère générale.
De plus, sur la photographie de Junqueira, l'absence de figures humaines et le fait que le ballon reste stationné dans un espace immense et cloîtré, dont les murs en ruine menacent de s'effondrer, est frappant.
Cet espace vide est le moulin central de Piracicaba, construit par le baron de Rezende en 1881 pour l'industrialisation du sucre, matière première fondamentale pour l'économie brésilienne. En 1974, il a été définitivement désactivé et en 1989, il a été déclaré patrimoine culturel. Le moulin a subi un grave incendie en septembre 2019. Actuellement, il reste inutilisé et dans un état de délabrement avancé, comme on peut le voir sur la photo.
Luísa Duarte souligne dans son article "Sur le travail de Flávia Junqueira" que "Si à première vue les œuvres de Junqueira peuvent sembler séduisantes au regard adouci de l'homme contemporain, un délai un peu plus long suffit pour percevoir que la surface est trompeuse. Ce qui ressort attrayant et évoque la joie, entre les lignes, révèle un manque d'affection et d'humanité (…)”(1)
Ainsi, la photographie Engenho de Piracicaba # 1, fait une allusion critique à notre situation actuelle, une époque où le plaisir visuel et la possession d'objets luxueux, lumineux et colorés coexistent sur un fond d'humanité ruiné, solitaire et vide. En même temps, une image virtuelle qui nous vient à travers des films et des contes pour enfants, pleine de couleurs et de naïveté, face à une réalité imparfaite et vide de sens.
Les œuvres de Junqueira font partie de la collection d'importants musées et centres d'art tels que MAM-SP, MIS-SP, MABFAAP, Museo de Itamaraty, RedBull Station, Banque mondiale et Instituto Figueiredo Ferraz.  

Bosco Sodi
Mexico, 1970
Vit et travaille à New York
uvre : Sans titre, 2016/2021
Glaçure céramique sur pierre volcanique

Galerie Luciana Brito, São Paulo Bosco
Sodi est connu pour ses peintures à grande échelle aux textures riches et aux couleurs vives. Il laisse nombre de ses œuvres sans titre, avec l'intention d'éliminer toute prédisposition ou connexion au-delà du contact immédiat de l'observateur avec l'œuvre. Les influences de Sodi vont de l'art informel d'artistes comme Antoni Tàpies et Jean Dubuffet, aux maîtres colorés comme Wilhem de Kooning, Mark Rothko, et les teintes vives de son propre héritage latino-américain.
La recherche de Bosco Sodi se distingue par la simplicité des matériaux d'origine naturelle, tels que les pigments, la sciure de bois, les fibres, le bois, la terre, etc. La combinaison de ces éléments avec les gestes de sa production, donne un caractère exceptionnel à chaque œuvre qui, selon l'artiste, « rend impossible la reproduction », en plus d'établir un lien particulier entre l'art et la nature.
Au cours des sept dernières années, son intérêt s'est de plus en plus porté sur les roches volcaniques. Dans une interview accordée au journal mexicain La Jornada en mai 2013, Sodi souligne : «J'aime beaucoup l'idée d'une pierre qui vient de la lave et qui est réchauffée à haute température. Dès le début, je voulais utiliser les pierres comme une toile, une toile en trois dimensions, mais je voulais incorporer le concept de hasard et d'inattendu. Et s'il existe une telle matière, c'est bien la glaçure céramique : en premier lieu, elle n'a pas de couleur lorsqu'on l'applique, il faut donc imaginer les couleurs, les contrastes et le résultat. Deuxièmement, lorsqu'il est mis au four, les couleurs fondent et se mélangent, donc le hasard et les températures influencent grandement»(2).
Plus tard, il précise qu'il s'intéresse à trois caractéristiques que possèdent les roches : « l'énergie des roches, le passage du temps et l'influence du climat qui a fait que la lave se transforme en ces roches puis l'accident qui résulte de leur peinture ."
Dans « Sans titre » (2016/2021), Sodi propose une réflexion sur la consommation débridée, caractéristique de notre capitalisme contemporain. Diverses pierres volcaniques plaquées or sont placées sur les étagères, faisant allusion à la fois à l'exploitation historique de l'or en tant que ressource naturelle, ainsi qu'à sa valeur marchande, sa pureté et sa perfection.
Parmi ses expositions personnelles figurent : Museum of Contemporary Art of the University of South Florida, Tampa, USA (2021), CAC Málaga, Spain (2020), Royal Society of Sculptors, Londres, Angleterre (2019) ; Museo Barracco di Scultura Antica, Rome (2019), Instituto Cultural Mexicano, Washington DC, États-Unis, 2019, Museo Nacional de Arte, Mexique (2017), Museo del Bronx, New York (2010).
Expositions collectives : Harbour Arts Sculpture Park, Hong Kong (2018), The Museum of Modern Art, Gunma, Japon (2017) et Museo Espacio, México (2016), etc.
Le travail de Bosco Sodi fait également partie de collections importantes telles que JUMEX Collection (Mexique), Harvard Art Museums (USA), Museum of Contemporary Art San Diego (USA), New Orleans Museum of Art (USA), The Scottish National Gallery of Art ( Écosse), Walker Art Center (États-Unis), etc.  

Isidora gajic
Belgrade, Serbie, 1988
uvre : Havana Taxi, blues. 2016
Photographie, 60 x 120 cm
Galerie Silvia Cintra + Box 4, Rio de Janeiro

Isidora Gajic cherche à transformer les sentiments et les relations dans ses photographies, en utilisant les images comme une forme de poésie visuelle qui mélange fiction et réalité. L'artiste explore des thèmes tels que : l'énergie féminine, la culture, les humeurs, les contes de fées et le temps. Elle crée des livres artisanaux faits à la main, des collages et des dialogues visuels multimédias réalisés avec des photographies.
En 2016, Isidora a photographié des portraits de Cubains se déplaçant dans des voitures anciennes. Ces images représentent une époque typique de La Havane, arrêtée dans le passé, à l'époque à laquelle appartiennent ces voitures.
Les vitres des véhicules servent de cadres pour les portraits des habitants, et le collage fini est divisé en deux groupes de six photographies juxtaposées. Chaque groupe a son propre cadre et chaque instantané semble être l'image miroir du suivant.
Les vieux véhicules de différentes nuances de bleu offrent le service de se déplacer en taxi à travers la ville de La Havane. Pourtant, dans « Havana Taxi, blues », ces véhicules ne semblent pas bouger, au contraire, ils donnent l'impression d'être arrêtés voire coupés, tant dans leur partie arrière que dans leur partie avant.
Les voitures de « Havana Taxi, blues » sont des structures intemporelles, mécaniques et colorées qui servent de témoignage du passé, les unes s'insérant dans les autres, empêchant mutuellement la circulation. Par ailleurs, le terme anglais « blues » fait référence à la couleur bleue des corps, mais aussi au genre musical né au sein de la communauté afro-américaine du sud des États-Unis et à un état d'esprit caractérisé par la tristesse ou la mélancolie.
Isidora a exposé au Brésil, dans des lieux comme le SESC à Petrópolis, RJ (exposition collective). Également en Hollande, en Serbie et en Lettonie. Certains des prix qu'il a reçus incluent le « Dutch Talent 2012 » (Dutch Talent 2012). Il a également participé à des résidences telles que l'ISSP, en Lettonie, en 2012 et Miguel Rio Branco, au Brésil (2014).  

Géorgie Kyriakakis
Ilhéus, Bahia, 1961
uvre : Ouest 2, 2014
Triptyque Photo-Objet : photographies et cadres en bois
53 x 120 x 10 cm
Galerie Clima, Brasilia DF Géorgie

Kyriakakis est formée aux Arts Plastiques par la Fondation Armando Alvares Penteado (FAAP). Il est titulaire d'une maîtrise et d'un doctorat ès arts de l'École des communications et des arts de l'Université de São Paulo.
L'artiste bahianaise a commencé sa carrière artistique, à la fin des années 80, en tant que dessinatrice et à partir de là elle a commencé à développer des sculptures, des installations, des objets, des vidéos et des photographies. Sa production est marquée par l'utilisation de divers médiums et par l'expérimentation des limites de la résistance, de la fragilité, de l'instabilité et de la permanence des choses.
Son intérêt pour les matériaux et procédés naturels l'amène à travailler le feu, le verre, le papier, le bois et la céramique. Par des processus de combustion, de suspension et de tension, Georgia transforme la matérialité ou la nature des objets pour créer ce qu'elle appelle des « situations frontières ». C'est lorsque l'œuvre est confrontée à l'imminence de sa désagrégation.
Les références utilisées pour la création de ses œuvres sont des voyages et des promenades, conçues comme des expéditions, et partent toujours d'approches poético-visuelles de la géographie sous ses multiples aspects. Il s'agit des paysages, de la topographie, des phénomènes climatiques, des cartes géopolitiques et des événements naturels, tels que des processus constants et souvent imperceptibles d'effondrement, de sédimentation et d'érosion.
Ses photographies sont encadrées de manière à accompagner le sujet de l'image. Ainsi, Georgia joue avec les relations entre la matérialité du monde et la virtualité de l'image, et projette ses œuvres dans un territoire où la nature est conceptualisée.
Depuis 1986, Geórgia a exposé son travail dans des expositions collectives et individuelles, à l'intérieur et à l'extérieur du Brésil, ayant reçu divers prix, dont il convient de souligner : le Iguatemi / SPArte / DF Award ; le prix Funarte pour l'art contemporain ; sac Vitae; L'artiste de recherche / MAC / Niterói; Projet Brésilien / Centre Européen de Travail Céramique / Hollande ; National Hall, entre autres distinctions.
Ses œuvres font partie de la collection d'importantes collections privées, musées et institutions publiques, telles que: Musée d'Art Brésilien, Musée d'Art de Ribeirão Preto, Musée d'Art de Brasilia, Musée d'Art Contemporain de Niterói, Musée d'Art Contemporain de Paraná , Palais Municipal de Santo André, Musée National / DF, SESC / Service Social du Commerce.
L'artiste vit et travaille à São Paulo et est représentée par les galeries Clima de Brasilia et Raquel Arnaud de São Paulo.  

Ivan Navarro
Santiago, Chili, 1972
Vit et travaille à New York, États-Unis
Travaux : Ipanema (vert) et Cheminée (orange), 2020
Néon, bois de tamarin, miroir et électricité
172 x 87,7 x 23 cm

Galerie Luciana Brito, São Paulo Iván Navarro est un sculpteur conceptuel chilien. Pour créer ses œuvres, il utilise des néons, des miroirs et des phénomènes optiques, avec lesquels il transmet des idées complexes, généralement de nature pédagogique ou à charge idéologique. Ses sculptures et installations minimalistes sont souvent orientées vers une critique sociale et politique pointue, qui trouve son origine dans l'histoire personnelle de l'artiste, né pendant la dictature militaire d'Augusto Pinochet, dans les années 1970.
Ses souvenirs d'enfance façonnent le choix de ses sujets, en particulier celui de l'électricité, qui a été utilisé comme outil de torture, d'exécution et de domination politique au Chili. Le dictateur Pinochet a également adopté des pratiques telles que les coupures fréquentes de l'approvisionnement en électricité, comme moyen de favoriser l'isolement et la subordination de la population.
"Ipanema (vert)" et "Cheminée (orange)" sont des œuvres qui attirent le public par la combinaison d'éléments qui remettent en question sa perception. D'un côté, d'un point de vue formaliste, ses œuvres sont soigneusement construites, avec la lumière comme support principal, de l'autre, ces lumières colorées suscitent une sorte de fascination chez le spectateur.
Dans ces deux œuvres présentées à ArtRio 2021, Navarro a créé des espaces illusoires, où le jeu de la perspective provoque des champs virtuels infinis. En même temps, les couleurs utilisées réveillent des sensations différentes : de calme et d'envie de franchir le portail, comme s'il s'agissait d'une jungle, en « Ipanema (vert) », de peur de tomber dans une sorte de radiateur halogène, qui relie le surface avec le centre de la Terre, en "Cheminée (orange)"
Le travail de l'artiste chilien a attiré une attention internationale, ce qui lui a valu de participer à de nombreuses expositions, notamment au musée Guggenheim et à la galerie Paul Kasmin à New York, à la galerie Egeran à Istanbul, à la galerie Daniel Templon à Paris, au parc des expositions Farol Santander. , São Paulo (2020), Niterói Museum of Contemporary Art, Rio de Janeiro (2019), Buenos Aires Museum of Contemporary Art (2019), National Museum of Fine Arts, Santiago, Chili (2015), etc.  

Déborah Engel
Palo Alto, États-Unis, 1977
Vertigem nº4, 2021
Colagem de 15 litres - 110 x 100 cm

Galerie Portas Vilaseca, Rio de Janeiro Deborah Engel propose dans sa recherche une réinvention du regard, en s'intéressant aux questions liées à la photographie élargie, à l'expérimentation de la perspective et du cadrage, et à l'art cinétique.
Ainsi, il élargit la fonction de la photographie comme simple enregistrement représentatif de la réalité et affirme une nouvelle fonction de l'image photographique dans l'art contemporain, à partir de laquelle le spectateur peut être invité à questionner l'environnement dans lequel il vit.
L'artiste parvient à produire chez le spectateur l'illusion de contempler un haut-relief ou un bas-relief, dans un espace où seules des images 2D existent. Cette illusion d'optique, obtenue en superposant des images plates de différentes tailles, est une nouvelle expérience qui modifie notre perception du monde.
En superposant des photos d'immeubles modernes, avec leurs fenêtres et leurs bardages colorés disposés rythmiquement du plus grand au plus petit, Deborah crée l'illusion d'un avion aérien dont on pourrait interpréter la référence comme un gratte-ciel répété à l'infini, faisant peut-être allusion au vertige de vivre dans les grandes villes. .
Deborah Engel a organisé des expositions individuelles et collectives au Brésil et à l'étranger. Parmi les groupes, se distinguent les suivants : "Monument in Miniature", ABC à Rio (NY) ; "À la recherche d'un territoire", Centre D'Art Santa Mónica, (Barcelone, ​​Espagne); "Frestas, Triennale d'Art Contemporain de Sorocaba", SESC Sorocaba (Sorocaba, SP); "XVI et XIX Bienais de Cerveira" (Vila Nova de Cerveira, Portugal); "Dialogues de la Collection", Instituto Camões (Vigo, Galice); "Novas Aquisições - Coleção Gilberto Chateaubriand 2007-2010", Musée d'Art Moderne de Rio de Janeiro ; "Arte Pará", Musée historique de Pará (Belém, PA); et l'individu « Mergulho », Galería Portas Vilaseca ; "Avion Imaginaire", Galerie Virgilio (São Paulo); "L'espace qui bouge", Studio X, Rio de Janeiro ; "Paysages possibles", Galerie Artur Fidalgo, entre autres.  

D'autres artistes de renommée mondiale dont les œuvres ont participé à ArtRio 2021 et méritent d'être mentionnés :

Miguel Rio Branco, photographe brésilien représenté par la galerie Silvia Cintra + Box 4, Rio de Janeiro ; Leandro Erlich, artiste conceptuel argentin, représenté par la galerie Luciana Brito, São Paulo ; Vik Muniz, plasticienne et photographe brésilienne, représentée par la galerie Nara Roesler, Rio de Janeiro / São Paulo / New York.
La galerie Paulo Kuczynski de São Paulo a exposé les œuvres de trois représentants célèbres du modernisme brésilien du XXe siècle : Candido Portinari, Tarsila do Amaral y Emiliano Di Cavalcanti.
De son côté, la galerie de São Paulo Frente a présenté sur son stand à ArtRio 2021, des œuvres de l'architecte, paysagiste, céramiste et peintre brésilien Roberto Burle Marx. Les galeries Mercedes Viegas et Mul.ti.plo Espacio de Arte, toutes deux basées à Rio de Janeiro, mettent en vente des œuvres de l'Argentin Léon Ferrari.  

- Liste complète des galeries d'art qui ont participé à ArtRio 2021
- Galerie d'art Almeida & Dale - São Paulo
- Entrepôt Thebaldi Galeria - Rio de Janeiro
- Galerie d'art Anita Schwartz - Rio de Janeiro
- Aura | Bailune Biancheri - São Paulo
- Bianca Boeckel - São Paulo
- Bordallo - Portugal
- Galerie C. - Rio de Janeiro
- Galerie Carbone - São Paulo
- Carcará - São Paulo
- Maison Triangulo - São Paulo
- Galerie Cassia Bomeny - Rio de Janeiro
- Galeria centrale - São Paulo
- Danielian Galeria - Rio de Janeiro
- Folio Livraria - São Paulo
- Fortes D'Aloia & Gabriel - São Paulo / Rio de Janeiro
- Gaby Indio da Costa Arte Contemporânea - Rio de Janeiro
- Galerie Athéna - Rio de Janeiro
- Galerie d'art Ipanema - Rio de Janeiro
- Galerie de la base - São Paulo
- Galerie météo - Brasilia, Miami, Porto Alegre et Rio de Janeiro-
- Galerie Estação - São Paulo
- Galerie avant - São Paulo
- Galerie Inox - Rio de Janeiro
- Galerie Karla Osorio - Brasilia
- Galerie Lume - São Paulo
- Galerie de cartes - São Paulo
- Galerie Millan - São Paulo
- Galerie Movimento - Rio de Janeiro
- Galleria Continua - San Gimignano, Italie
- Gustavo Rebello Arte - Rio de Janeiro
- Galerie Janaína Torres - São Paulo
- Galerie Luciana Brito - São Paulo
- Galerie d'art Luis Maluf - São Paulo
- Lurixs : Art Contemporain - Rio de Janeiro
- Galerie d'art Marcia Barrozo do Amaral - Rio de Janeiro
- Martha Pagy Escritorio de Arte - Rio de Janeiro
- Matias Brotas Arte Contemporânea - Vitória
- Mendes Wood DM - São Paulo
- Mercedes Viegas Art Contemporain - Rio de Janeiro
- Agence Metaverse - Rio de Janeiro et São Paulo
- Mul.ti.plo Espaço Arte - Rio de Janeiro
- Nara Roesler - São Paulo / Rio de Janeiro / New York
- Galerie OMA - São Bernardo do Campo
- Paulo Kuczynski Escritorio de Arte - São Paulo
- Pinacothèque - Rio de Janeiro / São Paulo / Fortaleza
- Galerie Portas Vilaseca - Rio de Janeiro
- Quadra - Rio de Janeiro
- Rafael Moraes - São Paulo
- Galerie Ronie Mesquita - Rio de Janeiro
- RV Cultura e Arte - Salvador
- Galerie Be - São Paulo
- Silvia Cintra + Boîte 4 - Rio de Janeiro
- Galerie d'art Simões de Assis - Curitiba
- Simone Cadinelli Art Contemporain - Rio de Janeiro
- Galerie SOMA - Curitiba
- Vermelho - São Paulo
- Verve - São Paulo
- Galerie Zipper - São Paulo

Notes:
-1 Duarte, Luisa. Sur ou œuvre de Flávia Junqueira
-2 Entretien MacMaster. "Bosco Sodi aborde la sculpture aux pierres volcaniques dans l'exposition Omni". Journal La Jornada. Section culturelle. Mexico. 26 mai 2013, p.6  

Bibliographie:
Galerie de fermetures à glissière : Flávia Junqueira
Duarte, Luisa. "À propos du travail de Flávia Junqueira »
Le portefeuille de Luis Escañuela dans la galerie d'art Luis Maluf
Interview par Mac Masters, Merry. "Bosco Sodi aborde la sculpture aux pierres volcaniques dans l'exposition Omni". Journal La Jornada. Section Culture. Mexico. 26 mai 2013, p.6
Bosco Sodi à la galerie d'art Luciana Brito
Site Web de Bosco Sodi : Bio | boscosodi
Ivan Navarro : Site Web de Blombo
Ivan Navarro : Site Internet d'Artnet
Ivan Navarro. Galerie Luciana Brito
Géorgie Kyriakakis Site Web
Géorgie Kyriakakis. Galerie Raquel Arnaud
Géorgie Kyriakakis. Galerie météo
Déborah Engel. Galerie Portas Vilaseca
Déborah Engel. Galerie Carbone

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