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Entretien avec Flávia Junqueira

Par Adriana Schmorak Leijnse

Flávia Junqueira travaille principalement avec la photographie. L'univers visuel de l'enfance et la construction d'un imaginaire autour de cette première étape de la vie imprègnent l'œuvre de l'artiste dès le début de sa production.  
En effet, sur la photographie présentée à ArtRio 2021, Ingenio de Piracicaba #1, on voit au centre de la scène une montgolfière qui attire l'attention par l'espace qu'elle occupe et la variété de couleurs saturées qu'elle affiche, fréquemment utilisées dans les récits , des dessins animés, des films pour enfants et même des jouets.  
De plus, l'absence de figures humaines et le fait que des objets d'enfants restent au milieu d'un espace déclaré patrimoine national est frappant. Comme pour sa pièce de 2019, Theatro João Caetano nº1, où des ballons de différentes couleurs flottent dans l'espace intérieur du plus ancien théâtre de Rio de Janeiro.  
Ainsi, la photographie de Flavia Junqueira fait allusion de manière critique à notre situation actuelle, une époque où le plaisir visuel et la possession d'objets luxueux, lumineux, colorés coexistent sur un fond ruiné, solitaire, dépourvu d'humanité. En même temps, une image virtuelle qui nous vient à travers des films et des contes pour enfants, pleine de couleurs et de naïveté, face à une réalité imparfaite et vide de sens.  
Les œuvres de Junqueira font partie de la collection d'importants musées et centres d'art tels que MAM-SP, MIS-SP, MABFAAP, Museo de Itamaraty, RedBull Station, Banque mondiale et Instituto Figueiredo Ferraz. À ArtRio 2021, l'artiste était représenté par la Zipper Gallery de São Paulo.  
Voici notre interview du photographe brésilien.  

Comment s'est passé votre premier contact avec la photographie ?  
Je suis diplômé de la FAAP (Fondation Armando Alvares Penteado). J'ai fait une licence en Arts Plastiques et le premier contact s'est fait à la Faculté elle-même. Bien sûr, j'évoluais déjà avec l'appareil photographique de manière très courante, comme tout enfant, avec ces machines analogiques, mais rien sans un sens d'appropriation, même avec un médium, comme un support pour mon travail artistique.  
J'ai donc eu cette relation directe lorsque j'ai rejoint l'Université, j'ai expérimenté divers médias et l'un d'eux était la photographie. J'ai travaillé avec la conception de décors de théâtre à l'université et j'ai beaucoup utilisé la caméra pour enregistrer des décors et des petits modèles. Il a construit de petites situations, avec des miniatures et des objets, puis il les a photographiés.  
A la sortie de la Faculté, en 2008, dans mon TGI, qui était mon travail de Diplôme Interdisciplinaire, j'ai présenté une série intitulée "En Compagnie des Objets" dans laquelle je me suis mis aggloméré avec tous les objets de ma maison et me suis fait auto- portraits.  
Donc mon premier contact avec la photographie, en fait, s'est fait à travers ces autoportraits.  

Pourquoi avoir choisi l'univers des enfants comme thème principal de votre travail ?
 
Le thème de l'univers des enfants n'était pas un choix, mais c'était un processus. Depuis l'enfance, j'ai réussi à comprendre quelque chose de très magique et théâtral dans l'enfance et j'ai toujours eu une grande affinité avec cette période qui est dans la mémoire des adultes.  
Petit à petit, à l'adolescence, dans ma jeunesse et plus mature, je me suis rendu compte que cet univers d'enfance ne m'avait quitté à aucun moment. C'est à ce moment-là que j'ai commencé à comprendre que ces éléments avaient un côté plus théâtral, plus apaisant, moins rationnel, moins lié à l'idée de Progrès, idée qui a été très soulevée par l'architecture moderne.  
Quand je transforme les espaces par des appropriations d'éléments ludiques comme ces Globes, les manèges, les Bulles de Savon, je veux apporter un peu de la temporalité de l'Enfance, qui est un présent : elle n'a ni la nostalgie du passé ni la l'angoisse du futur, le temps d'aujourd'hui, le temps de l'enfant.  
J'ai aussi une affinité avec ce qui a à voir avec la collection et le catalogage d'objets. Prendre la fonctionnalité de l'objet et l'amener sur le terrain de la collection de quelque chose qui n'a pas d'objectif spécifique. La collection de n'importe quel objet implique que des personnes retirent l'objet de sa fonction d'origine et commencent à les accumuler.  
Dans un second temps, j'aborde des architectures patrimoniales faites pour durer et, en même temps, je place des éléments qui se terminent très vite, pour que ce moment très rapide d'être enfant soit porté à l'adulte, le spectateur qui est regarder le travail. Pour qu'il devienne aussi un enfant.  
L'univers des enfants est un processus qui n'a ni début ni fin, mais il se produit comme processus artistique, comme intention pour la compréhension du spectateur et comme proposition d'une pensée qui va à l'encontre du progrès, contre l'idée de rationalité placée là par la modernité.  

Considérez-vous que vos photographies ont un sens apparent et un sens caché ?
 
Je considère que les photographies ont un sens apparent et un sens caché. Comme dans de nombreuses œuvres artistiques, principalement dans l'art contemporain. Surtout, mon travail qui parle à travers l'image et le visuel de manière très directe. Les gens abordent mon travail de manière très directe lorsqu'ils reçoivent cette explosion de couleurs, cette explosion d'énergie des éléments de l'enfance, de la théâtralité.  
Mais néanmoins, j'y plaisante souvent avec la question des patrimoines historiques, pour la plupart abandonnés dans un pays qui ne valorise pas la culture, un pays qui ne montre aucune appréciation du patrimoine. C'est une façon d'apporter notre histoire et de la montrer aux gens. Beaucoup de gens connaissent des théâtres à travers le monde, mais ils ne connaissent pas un grand théâtre brésilien comme, par exemple, le théâtre de Manaus, qui a une très grande force historique et qui marque une période très importante au Brésil.
Mon travail comporte plusieurs strates, ce qui est d'aller à l'encontre d'une idée de progrès, de rationalité, de fonction. Cette idée que l'adulte doit produire, doit faire, travailler, et que seul l'enfant peut rêver, seul l'enfant peut ressentir le vrai don.  
Donc, au fond, les couches dépassent de loin la question de l'apparence qui découle d'une image qui a un rapport de composition, de symétrie, de beauté, d'accumulation de couleurs, ce qui est très agréable à l'œil.  
Mais quand on commence à voir que ces espaces n'ont pas de personnes, ils sont vides et ce sont des espaces patrimoniaux, des espaces qui sont toujours vus comme abandonnés, toute la question d'y créer un rapport de friction avec certains idéaux, et surtout de comprendre les espaces et le regard sur eux. Tout cela est très important pour moi.  

Pourquoi les espaces de vos photos sont-ils caractérisés par l'absence de figures humaines ?
 
A cette époque, il est très important que l'architecture et les objets soient les principaux protagonistes. Comme je l'ai dit à plusieurs reprises, ce sont des espaces obsolètes, abandonnés, des espaces de notre culture, de notre patrimoine qui, malheureusement au Brésil, ne reçoivent pas la valeur qu'ils devraient.  
La figure humaine est d'abord apparue dans mon travail pendant environ trois années consécutives, lorsque je prenais des autoportraits, et elles apparaîtraient beaucoup dans les photos de la série "En compagnie d'objets" et dans la série "Fête à la maison" .  
J'ai aussi fait un travail qui était un autoportrait avec mon père et j'ai eu quelques œuvres où le personnage était soit caché derrière les ballons, soit il était un autoportrait clairement donné, le mien, de l'artiste. A cette époque et dans les séries principales que j'ai faites aujourd'hui, je pense qu'il était très naturel que la sortie du personnage et l'entrée d'un nouveau personnage qui en ce moment est un grand protagoniste qui sont ces éléments de l'enfance : carrousel les chevaux, les ballons, les bulles de savon.  
Tous ces éléments remplacent une figure qui n'est pas une figure humaine, mais une grande figure qui est là pour nous parler, pour nous faire réfléchir sur la façon dont les gens traitent ces objets qui la plupart du temps ont une très longue durée .court.  
La bulle de savon n'est qu'un instant pour se produire et disparaître. Le ballon dure peu de temps, 8 heures et il se fane. Penser un peu à la solitude, au déplacement de ces espaces, qui sont des espaces faits pour durer.  
J'essaie de leur créer une théâtralité à travers un objet qui est à l'opposé de ces architectures, ce n'est pas fait pour durer, c'est un objet qui se termine, comme se termine la fête, comme se termine la vie de chacun. Ainsi, mon travail est une réflexion sur la finitude de la figure humaine et sur la finitude des choses, à travers ces éléments tels que les chevaux de manège, les ballons et les bulles de savon.
 
Y a-t-il quelque chose dans votre travail qui fait référence à notre situation actuelle en tant que société ?
 
Dans mon travail, il y a beaucoup de références actuelles qui rendent le spectateur, dans un premier moment, attiré par le visuel, et dans un second moment il peut aussi réfléchir sur ces espaces patrimoniaux, sur notre société, sur notre culture, sur ce que c'était fabriqués à partir de nos domaines. Si le spectateur est déjà entré dans cet endroit et qu'il est tenté de voir cela, il peut penser à quel point son histoire s'y trouve, de l'histoire de son propre pays.  

Où sera votre prochaine exposition ?
 
L'exposition en cours à Zipper Galería est à l'affiche. Elle s'appelle "églises baroques et chevaux de bois" et elle apporte un parallèle entre les formes visuelles du baroque et un rapport avec les formes et les mouvements des anciens parcs d'attractions.  
Faisant allusion à un texte d'un théoricien nommé Roger Bastide. Ce théoricien m'a été présenté par le curateur Ícaro Ferraz Junior, qui m'a accompagné pendant un an à travers des contacts et des échanges sur mon travail.  
Cette exposition raconte le moment où j'ai terminé mon doctorat à l'Unicamp en Arts Plastiques. Cette exposition présente sept œuvres réalisées grâce à la photographie mise en scène, qui est le genre de photographie que j'utilise le plus.  
Dans la prochaine exposition, en février, je vais faire une installation, je ne peux toujours pas dire exactement où elle sera. Ce sera une installation avec des globes de verre, élément que je commence maintenant à approfondir.  
Bientôt je participerai à l'émission Metropolis de TV Cultura. L'année prochaine, le projet est d'aller à l'étranger. Certains théâtres européens m'ont déjà invité à faire le catalogage européen avec des ballons. Je pense que la question de l'installation prend de plus en plus de place dans mon travail, elle quitte la photographie. Il y a beaucoup de bonnes choses à faire l'année prochaine.  

Festivals

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L'équipe Cinecritic.biz

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