Au-delà de la pandémie, le début de la deuxième décennie de ce millénaire a été marqué par une radicalisation des idéologies et le siège de la libre pensée et des différences, la censure des livres, l’attaque de ceux qui s’écartent des réglementations traditionnelles et la promotion de lois interdisant la discussion de sujets associés à l’altérité. Le cinéma, pour sa part, a répondu à la montée du racisme, du sexisme, de l'homophobie et de la xénophobie qui en résulte, en produisant des films où de telles intolérances sont dénoncées ou où les peurs de ceux qui exercent le contrôle social sont satirisées.
« Firebird » (2021) de Peeter Rebane rassemble quelques-unes de ces réflexions, revenant sur l'armée de l'air soviétique pendant la guerre froide, pour raconter la relation amoureuse entre un pilote de chasse et un simple soldat. Basé sur « L'Histoire de Roman », un mémoire de Sergueï Fetissov, l'événement réel est romancé à l'écran mais ne perd pas son pouvoir de révéler la vérité sur les obstacles auxquels les deux jeunes ont été confrontés et ont fini par détruire leur vie commune. Malgré les décennies qui ont passé, peu de choses ont changé dans l'ex-Union soviétique, compte tenu des protestations et des tentatives d'interdiction du film lors de sa présentation au Festival international du film de Moscou ; d’où son importance dans une nation avec une longue histoire de violence contre la dissidence.
Sergey (Tom Prior) et Roman (Oleg Zagorodnii) se rencontrent dans une base militaire en Estonie occupée et commencent à se voir en secret, avec le ballet « Firebird » de George Balanchine et Igor Stravinsky comme leitmotiv en arrière-plan. Luisa (Diana Pozharskaya), secrétaire de la base et confidente de Sergey, tombe amoureuse de Roman, créant un triangle émotionnel qui explose lorsque la jeune femme, autrefois mariée avec lui, découvre la vérité. Cela conduit Roman à fuir tout dans un suicide indirect lorsqu'il demande à être transféré en Afghanistan, pendant l'invasion soviétique et l'occupation ultérieure du pays.
La cinématographie a privilégié les jeux intimes de plans contre plans de Sergueï et Roman avec les grandes vues panoramiques de Haapsalu et de Moscou pour contraster la distance entre le public et le privé, tout en créant une complicité avec le spectateur comme voyeur et témoin des machinations, subterfuges, menaces et chantages émotionnels que les amants n'ont pas réussi à surmonter ; même si l’Estonie d’aujourd’hui est beaucoup plus inclusive malgré la pression russe. Selon les mots du réalisateur : « Nous avons parcouru un long chemin en Estonie. De nombreux pays de l'ex-Union soviétique sont contre l'homosexualité, mais l'Estonie a été le premier pays du bloc à adopter une loi sur l'égalité des droits pour les couples en 2013, lorsque la Russie a annoncé ses lois sévères contre la « propagande homosexuelle ».
La période dans laquelle se déroule le film rejette cependant de telles appréciations, même si l'homoérotisme se concentre dans l'esthétique, faisant un clin d'œil aux feuilletons dans l'utilisation de l'éclairage, dont l'intensité des couleurs chaudes met en valeur les scènes d'intimité entre les deux protagonistes. le mélodrame issu du triangle classique. La tendance à la mélancolie et à la boisson de l'imaginaire soviétique a approfondi l'excès, notamment dans les plans séquences du mariage entre Roman et Luisa et la fête dans l'appartement que Sergey et Roman partageaient à Moscou comme symbole de la double vie du pilote.
Un autre film où les différences ont joué un rôle central est « Tár » (2022) de Todd Field. Cate Blanchett (Lydia Tár) a réalisé un tour de force extraordinaire, dans le rôle d'un chef d'orchestre à succès, où une chaîne d'événements entre le professionnel et le personnel finit par détruire sa carrière. Mariée au premier violoniste de la Philharmonie de Berlin dont elle est le chef d'orchestre vedette, et ayant une fille en commun, Lydia commence à recevoir des menaces anonymes, des persécutions et du harcèlement de la part de femmes proches d'elle. Ceci, en guise de vengeance pour avoir été utilisée puis rejetée, dans une sorte de #MeToo à l'envers parce qu'elle est une femme lesbienne et non l'homme hétérosexuel qui en est l'auteur. Les conséquences de tels actes le conduisent à perdre son emploi, son prestige et sa famille, et à s'exiler en Asie où il réalisera la musique d'une série de jeux vidéo très populaires parmi les jeunes.
Le style entre minimalisme émotionnel et gothique sensuel, présent dans d'autres films de Field tels que « In the Bedroom » (2001) et « Little Children » (2006), est ici affiné jusque dans ses moindres détails, tissant une méticuleuse tapisserie de compréhensions, d'émotions. chantages, affrontements, jalousies et conflits d'égos, qui rythment la diégèse et entretiennent la tension. L'utilisation de la caméra subjective contribue à approfondir l'isolement intérieur et extérieur progressif de Lydia du point de vue du spectateur, afin de le confronter à l'ambiguïté des discours culturels contemporains sur la politique de genre, considérée comme une sauvegarde d'autres identités. cas, une menace à leur encontre. À ce propos, Cate Blanchett déclare : « J'ai été très réticente à parler du film. En partie parce que c’est très ambigu et difficile à définir. (…) Non seulement le personnage est très énigmatique, mais les événements reflétés dans l'intrigue sont très imprécis. Dans un sens, le film est comme un test de Rorschach, en termes de types de jugements que les gens portent sur la base d'informations évoquées mais jamais confirmées.

L'énigme et l'incompréhension ont également entouré la vie publique de Rock Hudson tout au long de sa carrière, même si son entourage a toujours été au courant de son homosexualité et l'a protégé aux yeux du public, au point que son départ a été un choc mondial. a annoncé à la télévision qu'il avait contracté le SIDA. Soutenu par Doris Day, avec qui il a tourné une série de comédies à succès dans les années soixante et visiblement en déclin, il devient un puissant symbole de la lutte contre un virus, encore incurable plus de quatre décennies après avoir été découvert, et qui sème alors la terreur. parmi la communauté.
« Rock Hudson : Hall That Heaven Allowed » (2023), un documentaire de Stephen Kijak, revient sur la carrière de l'acteur à travers les anecdotes de ceux qui l'ont connu et ont parfois partagé un lit avec lui, tissant un fil narratif qui se croise avec des fragments de ses films, en particulier ceux où un sous-texte gay peut être lu lorsque les scènes sont isolées du contexte cinématographique. Bien que cette approche de la star soit également présente dans deux documentaires précédents, « Rock Hudson's Home Movies » (1992) de Mark Rappaport et « The Celluloid Closet » (1996) de Rob Epstein et Jeffrey Friedman, nous avons ici des informations de première main sur des détails aussi intimes que la taille de son organe sexuel, tout en exposant au spectateur d'aujourd'hui les intolérances de la société nord-américaine de l'époque.
Derrière l'image de l'idole féminine et secrètement masculine se dessine un Rock Hudson, fasciné par l'underground de l'époque, qu'il fréquentait discrètement, alors qu'il organisait des rendez-vous chez lui autour de la piscine, où des jeunes désireux de se rapprocher de la star participé. Et même si les studios pour lesquels il travaillait faisaient pression sur lui pour qu'il change le cours de ses désirs, le forçant même à se marier, en dehors du plateau, il réussit à mener une existence relativement libre et sans la culpabilité d'autres sommités comme James Dean et Montgomery Clift. Cela se reflète dans le documentaire à travers des clips de films personnels filmés chez lui et chez des amis proches, dans lesquels il apparaît heureux et détendu. De même, des photographies avec leurs partenaires en vacances et en excursions dans des lieux montagneux, où ils pouvaient profiter de leur affection sans être vus, même lorsqu'ils étaient sous les yeux du public jusqu'à la fin. La meilleure chose à propos du documentaire est peut-être précisément la documentation de la dernière période de son existence, lorsqu'il est devenu une voix pionnière de la pandémie et a stipulé qu'une fondation de recherche sur le virus serait créée et porterait son nom. Le refus de Nancy Reagan, amie proche depuis l'époque hollywoodienne puis Première Dame, de lui apporter aide et soutien pour son traitement et pour diffuser auprès du public les dangers du virus, est souligné dans la correspondance entre les deux qui parvient finalement à la lumière, la lumière dans le documentaire.
«J'ai toujours été une personne jalouse de ma vie privée. "Je n'ai jamais laissé la presse photographier ma maison ni faire savoir au public ce que je pensais vraiment", écrit-il dans son autobiographie publiée à titre posthume. Algo que este documental espejea en el ágil trabajo de edición del material que logra perfilar al hombre detrás del mito, mostrando el lado más personal de Rock Hudson, quien disfrutó hasta sus últimas consecuencias de todo lo que el cielo le permitió obtener dentro y fuera de l'écran.
« Strange Way of Life » (2023), un court métrage de Pedro Almodóvar, bouleverse le western en tant que genre et du genre, dans les retrouvailles de deux cowboys qui ont été amoureux dans leur jeunesse et qui, à l'âge adulte, tombent sur trop d'inconnues sans réponse. , quand ils le souhaitent. Articulez un discours cohérent sur les hauts et les bas de votre relation. Tourné dans le désert de Tabernas (Almería), où Sergio Leone a réalisé sa trilogie western, le film passe également géographiquement de l'orographie associée à ces films à celle d'Almodovaria, comme un clin d'œil aux racines du cinéaste qui a fouillé les retours de le passé de ses personnages dès leur retour dans la ville d'origine. Ici, de telles histoires suscitent le mécontentement émotionnel d'un présent dans lequel Jake (Ethan Hawke) est revenu en tant que shérif pour arrêter le fils de Silva (Pedro Pascal) accusé du meurtre d'une prostituée. Derrière la lutte entre les deux pour l'avenir du garçon se cache une autre bataille plus personnelle et plus profonde, où ils doivent admettre l'existence d'une attirance qui n'a pas grandi en intensité malgré le temps qui a passé, et qui d'une certaine manière décidera du jeune. le destin de l'homme en même temps qui scellera le sien.
Les vues panoramiques du paysage, dont l'influence allégorise le terrain accidenté dans lequel évoluent les protagonistes, font allusion aux plaines et aux montagnes de « Brokeback Mountain » (2005) d'Ang Lee, qui sert de décor à l'histoire d'amour entre deux cowboys. également piégés dans une relation incontournable mais contraints par les règles sociales et les peurs intimes des amoureux. "D'une certaine manière, je sens que mon film est une réponse à "Brokeback Mountain"", déclare Pedro Almodóvar, qui avait écrit le scénario il y a plusieurs années influencé par le film de Lee, même s'il n'avait pas trouvé le temps de le porter à l'écran. . Il s'agit de la deuxième production en anglais du cinéaste après le court « The Human Voice » (2021) avec Tilda Swinton, dans lequel l'absence de l'amant centre aussi la diégèse. Dans "Strange Way of Life", cette absence plane sur l'imagination des cowboys, car ils savent qu'il n'y a pas de place pour eux dans un monde où s'exprimer ouvertement peut conduire à la mort, comme cela s'est produit avec l'un des protagonistes de "Brokeback Mountain". .» "Je me sens beaucoup mieux après avoir réalisé ce film", souligne également Ethan Hawke, saluant l'engagement de nombreux acteurs hollywoodiens dans des rôles capables de mettre en lumière les luttes de ceux qui ne rentrent pas dans les moules préétablis et doivent donc être punis. .

Deux films qui s'écartent de cette réalité et construisent un autre parallèle dans lequel l'impossible devient possible sont « Rouge, blanc et bleu royal » (2023) de Matthew López et « Barbie » (2023) de Greta Gerwig. Dans les deux cas, il n’y a aucune culpabilité quant à ce que sont et représentent les personnages car l’environnement est enclin à les accepter et à les célébrer.
Dans le film de López, non seulement le personnel mais aussi le politique se transforment en un conte de fées, quand Alex (Taylor Zakhar Pérez), fils de la première femme présidente des États-Unis, interprétée avec plaisir par Uma Thurman, tombe amoureux d'Henry. (Nicholas Galitzine), frère du futur roi d'Angleterre. Basé sur le best-seller de Casey McQuiston, le film retrace le style adouci du roman où un équilibre est recherché entre l'inclusif et l'exclusif, favorisant un mélange également équilibré entre race et genre sous les paramètres du politiquement correct. Le plan de départ qui clôt le film avec la mère d'Alex, une Texane d'origine modeste réélue présidente, son père fier d'être le fils d'immigrés mexicains et lui tenant la main du prince Henry comme un heureux couple gay interracial pour ce millénaire, calme momentanément les angoisses de ceux qui n’appartiennent pas au groupe blanc hétérosexuel dominant et sont donc rejetés.
La cinématographie également sucrée et une caméra qui caresse avec ses panoramiques et ses plans hachés les corps parfaits d'Álex et Henry complètent le fantasme, validant les différences et le différent, à une époque où l'intolérance les maintient sous le harcèlement. Dans la direction du dramaturge Matthew López, qui fait ici ses débuts en tant que cinéaste, l'imagerie autour des luttes pour défier les préjugés et manifester ouvertement la direction du désir, développée dans sa pièce primée « L'Héritage » (2018), quitte le ghetto et surgit des flashs des téléphones portables avec sa large gamme de réseaux sociaux, constituant un langage parallèle à l'hyperréalité du film. Cela met en évidence l’importance des nouvelles langues pour faire pression sur le statu quo, dans la bataille pour une reconnaissance à égalité avec celle des groupes historiquement acceptés, et imposer une nouvelle normalité beaucoup plus conforme aux intérêts et aux évolutions culturelles contemporaines.
"Je suis sûr que si j'avais eu accès à un personnage comme Alex quand j'étais adolescent, ma vie aurait été beaucoup plus facile", déclare le réalisateur, réitérant la nécessité de promouvoir des modèles multisexuels et multiculturels à Hollywood, surtout lorsque le la concurrence des plateformes virtuelles s’empare du marché. En effet, la production de « Rouge, Blanc et Bleu Royal » vient d'Amazon Prime, ce qui réaffirme la réticence des studios traditionnels à soutenir ce type de projets.
De son côté, « Barbie » est une production de Warner Bros. et bénéficie du puissant support de sa machinerie. En fait, c’est le film qui a jamais rapporté le plus d’argent à ce studio, étant l’un des plus gros succès de tous les temps. Ceci, étant donné l'importance emblématique de la poupée dans l'imaginaire collectif en tant que jouet, mais aussi en tant que dépositaire des peurs les plus cachées, comme l'observe le documentaire de Todd Haynes « Superstar : The Karen Carpenter Story » (1988), où l'An L'existence marquée par l'anorexie qui a conduit à la mort du chanteur est représentée à l'aide de Barbies à la place d'acteurs.
Le film de Greta Gerwig renverse l'équation. Margot Robbie (Barbie) et Ryan Gosling (Kent) sont des poupées de chair et de sang vivant heureuses dans un monde où tout est présenté dans des couleurs pastel jusqu'à ce qu'ils doivent passer à la réalité ; bien qu’ils restent au niveau des entreprises où la richesse économique continue de les isoler de la réalité authentique. De grands angles sur Venice Beach et le gratte-ciel vitré Mattel, des séquences de poursuites dans des voitures de luxe dans les avenues de Los Angeles, des scènes dans une école de quartier résidentiel sont comparés à leur simulation dans le royaume des jouets de Barbie. Quoi qu’il en soit, ce sera chez nous que les poupées trouveront les réponses à leurs questions. Un domaine infiniment plus dysfonctionnel, dans lequel les jeux incluent la guerre, la destruction des écosystèmes, les migrations massives et, oui, la soumission des femmes et de l'altérité raciale et sexuelle au pouvoir patriarcal ; un pouvoir ardemment adopté par Kent dans ses différentes versions, lorsqu'il se rend compte qu'il est soumis à la domination de Barbie depuis plus de six décennies, en même temps qu'elle sera confrontée au sexisme qui prévaut dans cette époque contemporaine.

Les numéros musicaux reflétaient des films du genre tels que « Top Hat » (1935) de Mark Sandrich, « Un Américain à Paris » (1951) de Vicente Minnelli et « Les Demoiselles de Rocheford » (1967) de Jacques Demy ; ainsi que sa réinterprétation dans « La, La Land » (2016) de Damien Chazelle où Gosling tient le premier rôle. En ce sens, les séquences des Kent dansant les uns avec les autres se tenant la main, s'affrontant dans une guerre de plage vêtus d'arcs-en-ciel et se lançant des flèches en plastique rose. ou chantant à la lueur d'un feu de joie sur la plage avec leurs guitares colorées plus amoureux de leur look que des Barbies qui les entourent, ils pointent du doigt le narcissisme et l'ambiguïté sexuelle qui ont conduit à l'interdiction du film dans de nombreux pays d'Asie et du monde arabe. monde, pour « promouvoir l’homosexualité et d’autres déviations occidentales » et « minimiser l’importance de la cellule familiale ».
Un éclat certainement, surtout en ce qui concerne ce dernier puisque la filmographie du réalisateur comprend des films aussi emblématiques que la septième version de « Little Women » (2019) et « Lady Bird » (2017), en plus de réaffirmer avec « Barbie » la mère- le lien de fille et sa transition vers l'âge adulte. Selon Gerwig : « La douleur des contradictions, de l’incapacité de combler complètement le fossé entre l’âge adulte et l’enfance, est également présente dans le film. C'est ce sentiment de joie débordant, et puis se dire : 'je ne pourrai jamais y retourner.' Una certeza tan actual como la celebración de las diferencias —Barbie doctora está interpretada por una actriz transgénero— que esta y las demás películas han abordado como reacción hacia un tiempo lleno de injusticias e incertidumbres, pero en lucha contra quienes buscan imponer su estrecha visión de la réalité.