Si la cérémonie des Oscars avait perdu de son éclat et de son audience depuis la pandémie, on pourrait s'attendre à ce que dans une année aussi cruciale pour l'industrie, entre les deux grèves simultanées qui l'ont paralysée pendant des mois et la menace des nouvelles technologies, notamment du mal utilisant l'intelligence artificielle. , la communauté artistique aurait fait plus que sa part pour transmettre les urgences contemporaines. Mais au-delà des cris de l'animateur Jimmy Kimmel aux travailleurs des coulisses qui soutenaient la grève, il y a eu peu d'écho, dissolvant le reste de la soirée en mauvaises blagues, performances prévisibles et discours d'acceptation pour la plupart sans imagination.
Reprenant une présentation qui n'avait pas donné lieu aux cérémonies précédentes car elle prolongeait trop la nuit, un gagnant du passé a parlé, comme prévu, s'interroge sur chaque nominé sans vraiment rien dire, au point que Jennifer Lawrence n'a même pas montré un léger enthousiasme. en faisant l'éloge, il semblait que par obligation et sans aucune conviction, à Lily Gladstone, la première amérindienne à remporter le Golden Globe de la meilleure actrice et à être nominée aux Oscars dans la même catégorie. Seul Jonathan Glacer, réalisateur de « La Zone d'intérêt », Oscar du meilleur film étranger, dénonçant les violences à Gaza ; et Mstyslav Chernov, le réalisateur ukrainien de « 20 jours à Marioupol », lauréat du meilleur documentaire, protestant contre les massacres dus à l'occupation russe de son pays, avaient une certaine signification. Ryan Wosling, nominé pour le meilleur acteur dans un second rôle pour "Barbie", interprétant l'une des chansons nominées dans un étalage de bon goût du kitsch typique des poupées Mattel, a également réussi à mobiliser le public pendant quelques minutes, le réveillant de sa torpeur et effaçant le sourire figé sur ses lèvres pendant la majeure partie de la nuit.
"Oppenheimer", favori de la critique et du public, a remporté sept statuettes dont celle de la meilleure réalisation, du meilleur film, du meilleur acteur (Cillian Murphy) et du meilleur acteur dans un second rôle (Robert Downey Jr.), un tour de force pour Murphy incarnant l'architecte de la bombe atomique, si présente dans le monde aujourd’hui comme outil d’intimidation par des autocrates comme Poutine et Kim Jong Un. Sous la direction de Christopher Nolan, le processus de conception, de construction et d'utilisation de cette arme de destruction massive a pris des signes de danger imminent avant et aujourd'hui, capturant avec précision les compromis et les intérêts des groupes de pouvoir pour obtenir le contrôle du dispositif nucléaire qui, Une fois son effet prouvé, il quitta les mains de son inventeur ; bien qu'Oppenheimer ait été blâmé, jugé et ostracisé par ceux qui avaient fait pression sur lui pour qu'il poursuive ses expériences. Il est intéressant de souligner ici que l’appareil juridique nord-américain était alors très efficace et agissait avec une grande diligence ; bien au contraire, aujourd’hui, où il a perdu toute crédibilité et est manipulé, des tribunaux à la Cour suprême, par le parti républicain.
L'utilisation de la couleur et du noir et blanc pour séparer la partie du film qui concerne la biographie du scientifique et de ses assistants - pour la plupart lauréats ultérieurs du prix Nobel - de celle qui se concentre sur le développement de la bombe et son explosion, Cela a permis au spectateur de distinguer le personnel du transcendantal. Ceci, à travers une scénographie d’une grande plasticité qui extrait la beauté de l’horreur, la rendant beaucoup plus aiguë. La performance intense de Murphy, décrivant la vie d'Oppenheimer depuis ses années d'étudiant jusqu'à celles qui ont suivi son « triomphe », pleine de regrets et de regrets, a retenu l'attention du public et a servi de fil conducteur tout au long du récit fragmenté. Ici, les échecs et les réalisations scientifiques, la complexité de sa relation avec les couples qui l'accompagnaient ce jour-là et le harcèlement des organisations anticommunistes à l'époque du maccarthysme, ont pris un relief épique, faisant du film une grande symphonie sur la résilience et le génie. . .
Un autre film où ces qualités se sont démarquées est « Maestro » de Bradley Cooper, et bien qu'il ait été nominé dans plusieurs catégories, il n'a remporté aucune statuette. Cela peut être dû au fait que dans l'ensemble, le film est perçu comme forcé et exagéré dans de nombreuses scènes, notamment celles qui concernent la vie familiale du protagoniste et celles où il apparaît à la tête de l'orchestre. Basé sur les mémoires de sa fille, le film mettait en avant le personnel au sein du cercle familial plutôt que le professionnel, laissant de côté son important activisme politique et donnant peu de place à l'homosexualité, que Leonard Bernstein a embrassé malgré la jalousie et les récriminations de ses proches.

Bradley Cooper, qui a également co-écrit le scénario et joué le rôle principal, nominé pour le meilleur acteur, s'est trop attaché au livre, laissant de côté les biographies plus exhaustives qui décrivent la complexité du personnage, ce qui lui aurait permis de créer un profil beaucoup plus multidimensionnel. L'excès de manières caricaturait parfois l'histrionique de l'artiste, lui enlevant son autorité, même s'il capturait le drame de Bernstein et sa lutte pour plaire à son entourage, mais sans perdre son essence. L'utilisation, comme dans « Oppenheimer », du noir et blanc et de la couleur pour séparer les périodes et les espaces, a allégé le rythme de l'histoire, l'accompagnant d'un travail de caméra agile qui privilégiait les grands angles et les vues aériennes, dans les scènes où il mettait l'accent sur les multiples facettes. la nature de l'artiste et son importance dans la musique classique et populaire.
« Poor Things » de Yorgos Lanthimos, nominé pour le meilleur réalisateur, a été un autre des films primés, notamment en termes de production et d'affichage visuel, obtenant des statuettes pour le maquillage et la coiffure, la conception des costumes et la conception de la production. Cette histoire aux accents gothiques inspirée des films de Frankenstein est centrée sur l'histoire de Baxter (Willem Dafoe), un scientifique qui dissèque les cadavres pour les reconstruire jusqu'à créer Bella (Emma Stone, Oscar de la meilleure actrice), qui déploiera ses talents de séductrice asservissant son créateur et détruisant ses amants potentiels.
Allégorie de la fragmentation des corps, la diégèse se présente comme une courtepointe composée de nombreuses pièces différentes qui prennent sens lorsqu'elles sont perçues ensemble. Cela donne au film son côté irréel et fantastique, tout en mettant en avant la bifurcation des personnalités des personnages, qui prend tout son sens au fur et à mesure de ce travail de couture et de reconstruction. Faisant référence à Bella, la réalisatrice déclare : « Elle n'a jamais su ce qu'est la honte, elle est donc totalement libre d'offrir son esprit, ses pensées, ses opinions, son corps, peu importe. "C'est un être humain qui a une chance dans le monde, quelqu'un qui n'a pas été façonné d'une manière très spécifique pour être perçu d'une manière particulière."
Ce mode de perception a trouvé son expression la plus précise dans cette édition des Oscars avec le film « Anatomie d'une chute », nominé pour le meilleur film bien qu'il ne s'agisse pas d'un produit hollywoodien ni d'un film américain. Réalisé par la réalisatrice française Justine Triet, il a remporté la Palme d'Or à Cannes et les nominations aux Oscars du meilleur film, de la meilleure réalisation et de la meilleure actrice (Sandra Hüller), gagnant dans la catégorie du meilleur scénario original. Le procès d'une écrivaine à succès vivant avec son fils dans une maison située dans une zone déserte des montagnes, accusée du meurtre de son mari en le jetant par la fenêtre du grenier, concentre l'action et montre le sexisme de ceux qui cherchent à accuser son.
Dans la direction de Triet, l'auteur apparaît comme quelqu'un dont la vie la rend parfois suspecte, mais rien sur elle n'est concluant. Il boit mais pas excessivement, il est distant mais pas cruel, il est bisexuel mais sa sexualité n'est pas agressive comme le veut le procureur, il aime son fils mais ne le surprotège pas ; Et au fond, elle aimait son mari, mais sa personnalité dépressive, ses peurs et ses frustrations, surtout d'avoir un partenaire plus prospère, rendaient la coexistence difficile. Quelque chose qui est montré dans la scène d'ouverture lorsqu'un journaliste vient l'interviewer chez elle et que, pendant qu'il travaille dans le grenier, il met de la musique très fort pour gêner le développement de la conversation entre eux.

L'utilisation de la caméra subjective, les grands gros plans et le montage fragmentaire ont créé une grande empathie entre l'écrivain et le spectateur, libérant l'action du ton mélodramatique et la rapprochant de films du genre comme "The Crucible" (1996). ) de Nicholas Hynter, « Doute » (2008) de John Patrick Shanley et « Bella » (2013) d'Amma Asante. Les circonlocutions du scénario, dessinant des paradoxes et des doubles sens pour accroître l'ambiguïté du personnage et installer le doute sur sa culpabilité, ont retenu l'attention du spectateur et ont laissé la fin ouverte pour que chacun puisse remplir les blancs avec ses propres conclusions.
Un autre film plein d'énigmes était « American Fiction », nominé pour le meilleur film et remportant l'Oscar du meilleur scénario adapté. La décision d'un auteur afro-américain et professeur d'université d'écrire un roman avec tous les clichés du ghetto, pour montrer le racisme existant, devient le best-seller avec lequel il pourra financer la résidence de sa mère et aider ses proches moins fortunés. . Tout cela en gardant une attitude critique à l’égard de la manipulation de la population noire, par ceux qui cherchent à la réduire à un groupe d’individus peu instruits. et sujet à la drogue et à la violence.
Ce premier long métrage de Cord Jefferson, qui s'est illustré dans la réalisation de séries télévisées, a porté sur grand écran le style rapide et décalé du genre, créant différents plans de sens et créant une fiction sur le thème du cinéma dans le cinéma, afin de lui donner une ironie de l'argument. Les vues panoramiques du paysage encadrant les doutes et les contradictions de l'écrivain, jouées avec perspicacité par Jeffrey Wright, nominé pour le meilleur acteur, et l'éclairage capable de privilégier les couleurs chaudes, ont donné à la diégèse un lyrisme qui contrastait avec la violence contre les Afro-Américains. population, présente dans la société nord-américaine.
La scène finale, écrite et réécrite, filmée et refilmée dans et hors de l'action, parvient à résumer le conflit intrinsèque aux relations interraciales, présent même lorsque les personnages appartiennent à la classe instruite. Ici, la couleur de la peau a fini par déterminer le sort du protagoniste, tout en révélant l'hypocrisie de la population blanche, dans sa tentative de plaire ou de comprendre les luttes des autres. Selon les mots du réalisateur : « Dans le film, vous avez, d'un côté, une industrie qui égalise la vie des Noirs, les décrivant comme un groupe monolithique avec un style de vie et des histoires similaires. De l’autre, on retrouve la juxtaposition avec cette famille noire complexe et nuancée qui montre la diversité qui existe au sein de la communauté.
« Past Lives », le premier film de la réalisatrice coréenne-canadienne Céline Song, nominé pour le meilleur film et le meilleur scénario original, revient sur le fantasme des histoires d'amour impossibles, à la manière de « In the Mood for Love » (2000) de Wong Kar -wai, tissant une fresque évocatrice d'images présentes et passées dans la vie des personnages. Ici deux jeunes qui ont partagé leur enfance en Corée se reconnectent sur les réseaux sociaux 20 ans plus tard. Elle, en tant qu'écrivain à succès, est mariée à un auteur américain de premier plan vivant à New York et lui étudie l'ingénierie à Séoul après avoir terminé son service militaire.
Les histoires de ce qui a été vécu se croisent avec le moment présent pour développer une histoire fluide où les protagonistes s'installent comme dans une parenthèse entre leur vie antérieure et leur vie actuelle. Le tout est rehaussé par une bande sonore et des décors qui mettent en valeur les deux cultures, les croisant. L'expérience de l'immigration et l'adaptation à ses nouvelles réalités contrastent avec son désir de permanence et sa préférence pour ce qu'il connaît. Et lorsqu'ils se rencontrent enfin à New York, ces années partagées dans l'enfance reviennent avec toute leur intensité, se condensant à travers les expériences de la vie d'adulte. De cette façon, le spectateur est amené à réfléchir sur ses propres affections et sur la façon dont elles l'ont marqué tout au long de son existence, nous offrant ainsi le précieux moment cinématographique qu'avec tous ses hauts et ses bas, la cérémonie des Oscars de cette année a encore une fois mis sur la table. . plus loin.

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