Alors qu'il semblait que les Oscars ne pouvaient pas descendre plus bas, la cérémonie de cette année a montré que le fond est bien plus bas qu'on ne l'imaginait. Ceci, non seulement à cause de la performance inattendue du nominé Will Smith giflant le présentateur Chris Rock, mais aussi à cause de la performance absurde de l'autre trio de présentateurs, parfois déguisés en personnages tirés des films et faisant de mauvaises blagues même sur la crise du covid-19. . Après une cérémonie ennuyeuse et médiocre l'an dernier, les organisateurs ont sans doute voulu revenir avec une soirée plus iconoclaste et audacieuse ; mais l'atmosphère d'intolérance au sein d'un monde de plus en plus polarisé a transformé une telle intention en grimace, reflétant le degré élevé de dysfonctionnement mondial dans lequel nous nous trouvons plongés.
Si l'élégant spectacle de Beyoncé en ouverture du show laissait présager un certain retour aux numéros musicaux élaborés du passé, de tels espoirs se sont vite dissipés, face à de fausses tentatives d'inclusivité, notamment de la part de la population de couleur, en choisissant quatre Afro-Américains parmi les cinq présentateurs, donnant au rap une prépondérance sur les autres styles musicaux et plantant le décor de l'hommage aux disparus avec une chorale évangélique dans le style des églises baptistes de Harlem. Des tentatives qui ont également été tronquées avec la démonstration de violence inhabituelle de Smith, qui n'a fait que donner au racisme de nouveaux arguments et diviser encore plus les gens.
Le triste moment de Liza Minnelli en fauteuil roulant et avec de sérieux problèmes cognitifs pour annoncer le film gagnant, une Judy Dentch souriante montrant au premier plan le trou où elle aurait dû se faire implanter, ou encore le trio vieillissant de "Le Parrain" emmené par un l'hésitant Francis Ford Coppola commémorant le cinquantième anniversaire de sa première, a montré un autre type de décadence qui était évidemment inutile, puisqu'il n'ajoute pas, mais soustrait, aux carrières distinguées de ces artistes et à l'illusion du glamour hollywoodien. Tout cela dans un décor plus typique des MTV Awards que de l'Académie ; même si ce n'est pas surprenant, étant donné le pouvoir actuel des plateformes de divertissement sur les grands studios.
En effet, "Coda" a été largement médiatisé par sa société de production Apple TV+, réalisant la statuette du meilleur film sur le favori "The Power of the Dog", Oscar de la meilleure réalisation uniquement, ce qui n'était pas arrivé depuis "The Graduate" ( 1968), puisqu'il est presque de rigueur que la réalisation et le film soient récompensés conjointement. Cela a montré la grande influence de ces plateformes pour annoncer agressivement les films où elles ont des intérêts malgré le fait que, contrairement aux grands studios, elles manquent de tradition et de culture cinématographique, privilégiant le commercial à la qualité. En ce sens, le film primé est une œuvre mineure, à l'instar de productions telles que "Children of a Lesser God" (1986) de Randa Haines, dont la protagoniste principale, lauréate de l'Oscar de la meilleure actrice à l'époque, jouait le rôle d'une mère sourde et muette de l'héroïne. Là aussi, la question du handicap a centré un argument soutenu par l'apologie des valeurs familiales américaines, fortement dévalorisées compte tenu des énormes carences émotionnelles existant en leur sein, et du comportement de plus en plus intransigeant, xénophobe et homophobe d'une grande partie du pays.
Sian Heder, nouvelle réalisatrice avec un seul long métrage à son actif, « Tallulah » (2016) produit par Netflix, représente cette nouvelle race de cinéastes promue par les plateformes numériques. Bien qu'il n'ait pas été nominé dans la catégorie de la meilleure réalisation, il a également remporté l'Oscar du meilleur scénario adapté, dans ce remake de "La Famille Bélier" (2014) d'Éric Lartigau, récompensé à égalité en France ; un autre film commercial également soutenu par la manipulation émotionnelle du spectateur et l'autonomisation des personnes handicapées. "Coda", oscillant entre comédie et mélodrame, a cherché à réitérer l'exploit, proposant une série de situations, pour la plupart éculées et prévisibles, mais qui ont réconforté le psychisme abîmé d'un public soumis à trois ans de pandémie, dans un monde déstabilisé par les guerres et cataclysmes de toutes sortes.
Un film qui n'a fait aucune concession et qui fait partie des meilleurs que Hollywood ait produit ces dernières années a été "The Power of the Dog" de Jane Campion, Oscar de la meilleure réalisation et avec 12 nominations au total. Délivre mon âme de l'épée. Du pouvoir du chien ma vie. Sauve-moi de la gueule du lion. Et délivre-moi des cornes des buffles », souligne le psaume anglican qui a inspiré le titre. « Les personnes moralement impures sont appelées chiens. La loi que Dieu a donnée à Israël disait : 'Tu ne dois pas introduire le loyer d'une prostituée ni le prix d'un chien (prostituée)'…. Tous ceux qui, comme des chiens errants qui se nourrissent d'abats, pratiquent des choses dégoûtantes, comme la sodomie, le lesbianisme, la dépravation et la cruauté, sont interdits d'entrer dans la Nouvelle Jérusalem », poursuit le « Livre de prière commune ».
Le film de Campion a brisé ces préjugés, tissant une extraordinaire fresque d'émotions, de sensations et de réactions construite comme une grande symphonie ; et où tous les instruments — scénario, mise en scène, interprétation, cinématographie, bande son — étaient couplés à l'unisson pour offrir au spectateur un spectacle unique et inoubliable.
Basé sur le roman du même nom de Thomas Savage, le film a capturé l'essence du texte en détail, rapprochant les deux médias jusqu'à ce qu'un dialogue constant s'établisse. Il convient de noter ici les excellentes performances de Benedict Cumberbatch, en tant que cow-boy solitaire et violent effrayé que son homosexualité soit découverte, nominé pour le meilleur acteur ; Jesse Plemons, dans le rôle du frère cherchant à maintenir l'équilibre du ranch et du frère, nominé pour le meilleur acteur dans un second rôle, Kodi Smit-McPhee, en adolescent tentateur et diabolique, nominé dans la même catégorie, et Kirsten Dunst, en le rôle de la mère instable du garçon, nomination pour la meilleure actrice dans un second rôle. Un travail d'équipe parfait a façonné le scénario intense de Campion, nominé pour le meilleur scénario adapté, maintenant la tension et l'attention du spectateur tout au long du film.
Une scénographie impeccable, centrée sur les plans spectaculaires des paysages désolés et solitaires, a encadré l'évolution de personnages vivant leurs drames respectifs dans la solitude, et interagissant dans la manière dont ces solitudes se rencontrent mais ne parviennent pas à construire une existence commune, soit frères et sœurs, amis, amants, parents ou conjoints. Ici la maîtrise de Campion pour créer des situations extrêmes où se conjuguent l'érotique, le cruel, le désespéré et l'inattendu, a été mise au service de la démystification du western, brisant les stéréotypes de la mode comme « Brokeback Mountain » (2005) d'Ang Lee atteint à l'époque.
"Belfast" de Kenneth Branagh, Oscar du meilleur scénario original, s'est avéré être un autre film emblématique très peu reconnu aux prix, malgré ses 7 nominations ; bien que son impact à ce stade de la terreur mondiale, déclenché à des niveaux jamais vus depuis la Seconde Guerre mondiale, en ait déjà fait un classique. Ceci, compte tenu de l'intelligence et de la sensibilité avec lesquelles le réalisateur a abordé un autre conflit long et brutal : celui de la lutte armée entre catholiques et protestants en Irlande du Nord, aiguillonnée par un nationalisme extrême.
Le film, cependant, ne s'est pas plongé de manière obsessionnelle dans la conflagration, mais a plutôt privilégié la résilience des groupes les plus vulnérables, femmes et enfants, suivant leurs routines au milieu d'une vie quotidienne imprégnée de haine et d'aveuglement causés par le fanatisme. La photographie en noir et blanc soignée et le travail de caméra agile, qui favorisaient les plans larges des barricades dans les rues et les confrontations insensibles entre voisins grandissant dans les mêmes quartiers, constituaient le cadre idéal pour accentuer le travail puissant de Caitriona Balfe agissant — étonnamment pas nomination; bien que des rôles très faibles, comme celui de Penelope Cruz dans "Mères parallèles" de Pedro Almodóvar, aient été récompensés par une nomination pour la meilleure actrice. Judy Dench et Ciarán Hinds ont été nominés respectivement pour la meilleure actrice et le meilleur acteur dans un second rôle, jouant les grands-parents de Buddy (Jude Hill), le petit garçon perspicace à travers les yeux duquel le spectateur peut suivre le déroulement de la diégèse.
En tant qu'alter ego de Branagh lui-même, le personnage de Buddy l'a amené à revenir sur ses propres souvenirs et à récupérer les petites histoires de personnages très proches qui, dans leur optimisme et leurs valeurs inclusives, ont défié la manipulation des volontés et la haine de ceux qui cherchaient semer la terreur, stimulé par les ressentiments, les frustrations et la vengeance. La galanterie sous pression, pour avancer au milieu du chaos, a permis aux membres de cette famille de ne pas baisser les bras afin de se protéger et de se protéger. Selon ses propres termes : "Lorsque vous vivez en état d'alerte maximale, lorsque votre famille et tout le monde autour de vous sombrent dans la violence, tout le reste s'intensifie et devient extrêmement précieux."
Nominé pour le meilleur film —le premier de la filmographie japonaise—, réalisation et scénario adapté, "Drive My Car" de Ryusuke Hamaguchi, a remporté l'Oscar du meilleur film étranger. Basé sur une histoire de Haruki Murakami, il raconte l'histoire d'un acteur et metteur en scène de théâtre et de la jeune femme qui lui est assignée comme chef d'orchestre, lorsqu'il se rend à Hiroshima pour monter une production de l'Oncle Vanya de Tchekhov. Le sentiment de perte et de manque d'incitations des personnages de la pièce a été transféré aux protagonistes du film, dont les vies se sont croisées émotionnellement car les deux avaient vécu la perte de quelqu'un qui avait motorisé leur vie.
La mort soudaine de la femme du réalisateur l'amène à fuir les lieux partagés, et la mort de la mère dans un accident oblige la jeune femme à quitter son domicile et à commencer une nouvelle existence loin de ce qu'on connaissait jusqu'alors. Dans la direction d'Hamaguchi, les routes, autoroutes et rues par lesquelles elles circulent - lui répétant les lignes de l'œuvre, elle l'écoutant en silence attentive à la route - sont devenues partie intégrante de la diégèse en leur donnant l'espace de temps nécessaire à l'amitié pour germer et porter des fruits. L'utilisation de gros plans et de plans rapprochés dans un jeu de tir contre tir a créé l'intimité nécessaire dans l'espace réduit de la voiture ; et les plans en plongée captant le paysage où ils roulaient, produisaient le contraste entre l'espace physique de la voiture et l'espace mental où chacun était immergé le temps du trajet.
En emménageant dans la ville de la jeune femme, où s'est produit l'accident, le drame se referme sur lui-même, permettant à tous deux de clore le duel et la culpabilité qui les tenaillaient jusqu'alors. Ceci, sans que le drame n'explose mais reste contenu, suivant le rythme tranquille des événements, très à la manière du réalisateur Wong Kar-wai ; même si ici le développement romantique de la relation a été à peine noté dans la scène finale, lorsque la jeune femme est revenue du marché avec le chien du réalisateur dans sa voiture, mais seule, peut-être avec lui qui l'attendait dans la maison désormais partagée par les deux. La fin ouverte laissait ainsi place à la spéculation, permettant au spectateur de combler les blancs avec ses propres peurs et désirs, enrichissant et multipliant l'effet transformateur du film.
"Licorice Pizza" de Paul Thomas Anderson, nominé pour le meilleur film et réalisateur, entre autres prix, n'a pas remporté de statuette, même s'il s'est démarqué par sa représentation juste de l'amitié entre deux adolescents au début des années XNUMX. Gary (Cooper Hoffman, fils du regretté acteur Philip Seymour Hoffman) et Alana (Alana Haim, connue pour son groupe de rock Haim) partagent le lycée dans l'ambiance décontractée californienne de l'époque, avec Gary en entrepreneur intrépide proposant à Alana de participer à ses aventures dans le monde des petites entreprises de la région.
Une photographie et une cinématographie très ajustées à l'époque reflétaient l'énergie et l'esthétique d'un autre film d'Anderson, "Boogie Nights" (1997), même si ici ce sont les aventures de deux jeunes découvrant le monde et se découvrant qui constituaient le point d'intrigue. . L'utilisation de la caméra subjective et le montage fragmentaire ont rythmé les scènes, en phase avec les développements d'une géographie et un moment où la liberté des années soixante respirait mais les forces qui conduiraient au conservatisme des années quatre-vingt n'avaient pas encore pris en main. .
Un autre film qui est revenu au passé récent est la version de "King Richard" du réalisateur Reinaldo Marcus Green. Situé en 1994, il raconte l'ascension vers la célébrité des joueuses de tennis Venus et Serena Williams. Will Smith, dans le rôle du père des jeunes femmes, a remporté l'Oscar du meilleur acteur, dans un rôle d'homme gentil, tolérant et inclusif, qui a été démenti par sa prestation agressive et grossière en temps réel lors de la cérémonie de l'Académie.
Les luttes pour séparer les adolescents de la vie de la rue et se concentrer sur leur carrière, au sein d'une société qui entrave l'essor de la population non blanche, ont obtenu un développement précis, bien que la nature complaisante et manipulatrice du scénario ait affaibli cette production. Les aléas du couple, les difficultés à maintenir l'équilibre entre la famille et le professionnel, les hostilités au sein d'un monde aussi compétitif et lucratif, ont été explorés avec acuité à partir de la tension raciale et personnelle, tout comme le réalisateur l'avait montré dans son premier film. .film "Des monstres et des hommes" (2018). Ceci, en corollaire d'une réalité où l'ascension et la chute peuvent venir se succéder rapidement, comme les Oscars de cette année l'ont malheureusement démontré.