Par Pedro García Cueto
Le cinéma espagnol a aussi un prestige lorsqu'il affronte, par la qualité, un monde d'effort et de ténacité. Le film Le pré des étoiles (2007) réalisé par Mario Camus, est un bon exemple du courage d'un jeune homme qui affronte le monde du sport, plus précisément du cyclisme, lorsqu'il décide de participer à des courses.
Le vélo devient ici une métaphore de l'effort, c'est impressionnant de voir des cyclistes gravir les sommets de l'Europe, par exemple. S'il y a un sport où l'effort représente le maximum et où le courage se voit, c'est bien le cyclisme.
L'histoire du film se déroule en Cantabrie, où vit Alfonso (joué par le grand Álvaro de Luna), c'est un humble paysan, à la retraite, qui a perdu ses parents dans son enfance et a été élevé par une femme, Nanda. C'est maintenant dans une résidence, à San Vicente de la Barquera et Alfonso va souvent lui rendre visite, reconnaissant pour tout ce qu'elle a fait pour lui. Un jour, un garçon à bicyclette apparaît dans le village. Il s'agit de Martín (Óscar Abad), frère de Luisa (Marián Aguilera), l'infirmière de la résidence où se trouve Nanda. Alfonso parle à Luisa afin qu'elle puisse lui fournir le contact de Martín. Alors qu'il le connaît déjà et connaissant sa passion pour le vélo, il lui propose de participer à des courses de jeunes afin qu'il puisse devenir professionnel.
Avec ces osiers, Mario Camus tourne un beau film dans un paysage merveilleux, de montagnes et de vertes prairies, où l'histoire de ces deux êtres humains, l'un presque vieux et l'autre si jeune, s'enchaîne pour atteindre l'émotion et l'importance de l'amitié générationnelle.
Le personnage de Martín, comme je l'ai déjà mentionné, est joué par Óscar Abad, à l'époque un jeune cycliste. Le jeune homme de Corrales de Buelna a été l'un de ceux choisis par l'ancien cycliste et réalisateur cantabrique José Antonio González Linares pour le casting du film et Mario Camus l'a choisi pour le film.
Óscar Abad ne deviendrait pas professionnel, bien qu'il ait concouru en sous-23 dans diverses compétitions. Le garçon est très bon dans le film, bien qu'il ne soit pas acteur, il donne à son personnage fraîcheur et authenticité et montre que la noblesse et le courage sont la chose la plus importante pour atteindre les objectifs que l'on se fixe dans la vie.
Ce qu'il y a de plus beau dans ce film, ce sont les scènes dans lesquelles Mario Camus filme le vélo à travers les montagnes cantabriques, en accordant une grande importance au son, puisqu'on entend le crissement des freins, le mouvement de la chaîne et des engrenages, en même temps moment où le sillage du vent se fait entendre au passage du peloton. Tout cet univers a un sens métaphorique, puisque le vélo représente l'effort, il est lié à l'être humain pour surmonter les intempéries.
L'importance du talent est essentielle dans le film, dans les dialogues entre Alfonso et son ami Tasio (interprété par José Manuel Cervino), ce dernier étant un ancien cycliste. Tous deux aident Martín à affronter le monde qui l'entoure, ils le conseillent, ils sont ses professeurs, mais ils ne limitent pas ses décisions, mais lui demandent plutôt d'être libre et de décider ce qui est le mieux pour lui. La performance de ces deux acteurs vétérans donne de l'authenticité au film, car tous deux démontrent leur talent dans leurs personnages matures.
Il ne faut pas oublier la douceur de Marián Aguilera, très naturelle en tant qu'infirmière de la maison de repos et sœur de Martin. Sans oublier des acteurs comme Rodolfo Sancho et Antonio de la Torre qui sont excellents dans leurs rôles. Comme nous le savons tous, de la Torre commencera plus tard une carrière pleine de talents et de récompenses.
Dans la chambre de Martín apparaît la photo d'Óscar Freire avec son maillot arc-en-ciel, car les références de grands cyclistes sont également importantes pour le jeune homme. Óscar Freire est un ancien cycliste qui a remporté de grandes victoires en cyclisme sur route.
La symbiose nature-être humain est importante, car dès le début du film, la nature est le protagoniste et les humeurs des personnages principaux se reflètent dans les montagnes de Cantabrie. Le film est un hymne à la beauté d'un paysage qui pénètre Martin, car il se sent rassasié lorsqu'il pédale à travers ces montagnes, lorsqu'il affronte d'autres cyclistes en course.
La fin ne sera pas chanceuse, puisque Martín a un grave accident alors qu'il pédale dans la compétition et parvient à se démarquer du peloton. L'accident survient lorsqu'il entre en collision avec une moto de télévision, ce qui met en évidence le danger de s'approcher trop près des cyclistes en course, tant du public que des journalistes.
Nous restons avec la beauté de ce paysage, des scènes de pédalage, de l'amitié entre Alfonso et Martín. C'est un beau film qui nous parle de courage, de talent et d'affection. La caméra de Mario Camus (un grand réalisateur dont on se souviendra toujours pour sa profondeur dans Les Saints Innocents), filme des êtres de grande noblesse dans un paysage qui est aussi le protagoniste de cette histoire pleine de lumière dans un paysage de montagnes. Comme le dit le titre du film, c'est une prairie où l'on peut voir les étoiles, celles du ciel et celles des êtres humains qui s'efforcent toujours de s'améliorer.
Quand les héros sont des dieux
L'histoire raconte qu'au Tibet en 1937, le successeur du Dalaï Lama, décédé quelques années plus tôt, fut recherché. Ce sera le régent Retting Rinpoché, qui trouve un garçon de douze ans dans une famille paysanne qui remplit les conditions. Reconnu comme le nouveau Kundun ou Dalaï Lama, il est transféré dans la capitale pour y être instruit, sans que cela signifie séparation d'avec ses parents et sa fratrie.
Il s'agit du film Kundun (1997), réalisé par Martin Scorsese. Tout au long du film, nous verrons comment la montée du communisme chinois menace les Tibétains et le Dalaï Lama, puisque la Chine considère que le Tibet lui appartient. Avec le décor de la Seconde Guerre mondiale en arrière-plan, le film se distingue par sa photographie et sa beauté particulière, faisant des silences un autre élément fondamental du regard du jeune Kundun. Sous la pression de la Chine, qui veut s'emparer de tout le territoire, le jeune dalaï-lama devra quitter définitivement le Tibet, lorsque les Chinois bombarderont la ville de Lhassa.
Avec ces osiers, on assiste à une histoire passionnante basée sur des événements réels que Scorsese filme calmement, lentement à certaines occasions afin que nous puissions ressentir l'univers du Dalaï Lama et ses silences spirituels. Cette lenteur, occasionnelle, contraste avec le rythme nerveux des autres films du grand réalisateur d'origine italo-américaine.
Selon les propres déclarations de Scorsese, ses premiers souvenirs du Tibet remontent aux années 1951, lorsqu'il a eu l'occasion de regarder le film Storm over Tibet (1989), dans lequel le réalisateur, Andrew Marton, a réussi à montrer une grande quantité de matériel documentaire. sur le Dalaï Lama. L'intérêt de Scorsese pour le sujet du Dalaï Lama est venu lorsque ce dernier a reçu le prix Nobel de la paix en 1982. Cependant, le réalisateur avait des engagements importants qui ont retardé le projet. Entre ses mains est venu le scénario sur le sujet écrit par Melissa Mathison, la scénariste de ET, réalisé par Steven Spielberg en XNUMX et qui a remporté l'Oscar pour ce scénario et épouse de Harrison Ford.
Tout cela tourne autour de l'idée d'un film sur le soi-disant Dalaï Lama ou Kundun. Pour cette raison, le scénario de Melissa Mathison a été travaillé pour l'améliorer et une société de production a été recherchée pour financer le film. Ni Universal Pictures ni Warner Brothers n'ont voulu financer le film, car il s'agissait d'un blockbuster coûteux qui ne comptait avoir que des acteurs d'origine asiatique et également inconnus, sans leurs acteurs préférés tels que De Niro ou Harvey Keitel. Grâce à Mike Ovitz, le célèbre agent qui a repris le projet de La dernière tentation du Christ (1988), le projet a été réalisé. Ovitz était le deuxième dirigeant de Walt Disney Productions. Un autre problème supplémentaire était la question des lieux, puisqu'il n'était pas possible de tourner au Ladakh, dans le nord de l'Inde, ni à Dharamsala, la résidence du Dalaï Lama, en raison du silence de l'administration indienne et de l'absence de réponse aux la demande Soumis par Scorsese. Enfin, le tournage a été déplacé au Maroc, où La Dernière Tentation du Christ avait été tourné, entre septembre et décembre 1996.
La décision de tourner au Maroc signifiait une réduction du coût du film et donc une augmentation du temps de tournage. Très importante était la photographie de Roger Deakins, qui travaillait pour la première fois avec Scorsese, mais avait déjà travaillé sur des films comme Barton Fink et Fargo. Plusieurs Tibétains exilés, sans expérience préalable, ont été embauchés pour le film et le protagoniste, en raison des différents âges reflétés dans le film, s'est concentré sur quatre acteurs différents.
Le travail de montage a également été compliqué, confié à Thelma Schoonmaker, une grande amie et monteuse de films comme Raging Bull, parmi tant d'autres, le montage a été long. Lors du tournage du film au Maroc, Scorsese n'a pu voir les rushes qu'à leur arrivée aux États-Unis, huit jours plus tard. Là, il donne ses impressions sur une cassette que le fidèle monteur écoute et ils se mettent au travail. Un autre problème supplémentaire était politique, les autorités chinoises, très sensibles à la question du Dalaï, ont protesté à plusieurs reprises contre le tournage du film. Au fur et à mesure que Disney produisait, les responsables chinois sont venus faire chanter la société de production, car il y avait de nombreux produits de la firme dans le pays, avec l'intention d'éviter toute critique du régime, ce qui entraînerait le retrait de ces produits dans un si grand pays. , avec de graves dommages économiques pour Disney.
La plus grande erreur du film a été d'oublier le contexte historique, qui même s'il est présent est léger, par rapport à un schéma typique d'Hollywood pour attirer le film, peut-être conditionné par la présence dans le scénario de Melissa Mathison, qui avait déjà créé un produit pour des masses comme ET. La sérénité que présente le film, l'atmosphère détendue et joyeuse ne correspond pas à la réalité violente, où le Dalaï Lama a dû recevoir de nombreuses pressions et menaces de la part du gouvernement chinois. L'idée de Scorsese de s'arrêter dans les silences d'un très beau paysage et d'améliorer la spiritualité du Dalaï nuit à la convulsion de l'histoire.
Pour l'éditrice, Thelma Schoonmaker, l'idée de Marty était de refléter un rêve, un monde sans action et pour cette raison les faits historiques apparaissent rarement, mais le monde serein et paisible du Tibet oui. Il y a beaucoup d'onirisme dans le film, même si on voit des images de cadavres de moines en pleine répression par les chinois, tout ressemble à un rêve. La scène presque finale où le Dalaï Lama s'enfuit du Tibet et où l'on voit son escorte comme s'il s'agissait de cavaliers et de cadavres a aussi ce ton onirique. L'idée de Scorsese était peut-être d'atténuer son usage habituel de la violence pour rendre le film plus adapté à tous les publics, puisqu'il a été produit par Disney.
Le film reflète la non-violence du peuple tibétain contre la violence du peuple chinois dans de belles images, ce qui éloigne ce film du cinéma plus habituel à Scorsese. Basé sur des événements réels, Scorsese imprime un ton différent de la réalité, pour que l'on se laisse emporter par la sérénité d'un être unique. Un film vraiment curieux et intéressant dans la filmographie du grand réalisateur qui n'a pas eu le succès d'autres films magistraux de Scorsese, mais qui mérite d'être pris en compte.
La mafia au cinéma
Tourné en 1985 par Michael Cimino, après la catastrophe provoquée par Heaven's Gate (1980), le film que je vais commenter porte le sceau du réalisateur, son regard sur les personnages, sur ces êtres fondamentalement perdants, qui conduisent sa vie à se sauver, mais ils sont ostracisés.
Manhattan South (1985) a été produit par Dino de Laurentiis, raconte la croisade d'un policier (Mickey Rourke à son meilleur, avant sa débâcle), qui se lance dans une croisade contre la mafia chinoise à New York (les soi-disant triades) , et plus précisément, contre son nouveau chef, Joey Tai (John Lone), un jeune homme froid qui a décidé de tuer son beau-père pour prendre le pouvoir. Le policier qui a le grade de capitaine et nommé Stanley White provoque le chaos autour de lui, car il n'a aucun contrôle et provoque de manière obsessionnelle le chaos autour de lui. Sa femme, Connie (Caroline Kava), sera assassinée par vengeance, après que le policier l'a abandonnée pour partir avec une jeune et séduisante journaliste américaine d'origine chinoise, qui, à son tour, sera violée à la suite de l'action de Stanley. le mafieux chinois.
Encore une fois, comme dans The Hunter (1978), Cimino se concentre sur un personnage d'origine européenne, cette fois d'origine polonaise, dans le célèbre film qui s'est concentré sur plusieurs amis d'avant la guerre du Vietnam qui étaient d'origine russe. Sans aucun doute, Stanley veut oublier son origine et accéder à un monde cosmopolite et luxueux, car il a trop de séquelles en route, à cause de son passé. On peut le voir dans le luxueux appartement de sa maîtresse chinoise, Tracy (incarnée par le mannequin Ariane), un loft avec une vue spectaculaire sur la rivière Hudson.
Cimino jette son dévolu sur un groupe de perdants, car toute cette violence découle de l'anxiété qu'ils ressentent face à la vie. Les couleurs sont importantes dans les espaces du film, comme le bleu de l'appartement de Tracy, une couleur bleue qui rappelle la première séquence de The Hunter, où les protagonistes travaillent puis sortent ensemble en plaisantant. Il y a des espaces dans le cinéma du réalisateur qui restent gravés, si dans The Hunter c'était la montagne avec sa beauté où Michael (un brillant Robert de Niro) vise le cerf pour tirer un seul coup, dans celui-ci il y a les espaces hétéroclites de une société capitaliste : la marée humaine qui entoure le quartier de Chinatown où vivent de nombreux êtres humains et où Stanley doit réussir à atteindre son objectif et achever le mafieux.
On ne peut pas oublier le rouge qui apparaît dans de nombreuses scènes, puisque le sang et les espaces teints en rouge marquent un habitat dans le film : les mafiosi chinois portent des costumes d'un blanc immaculé et le rouge est justement la tache d'une telle élégance, truffée de corruption et trompée. En présence de Mickey Rourke on voit aussi une ambiguïté latente, comme on le sent dans le personnage de De Niro, il est peut-être entouré de monde, mais c'est un solitaire, il n'y a personne pour qui il éprouve une véritable affection, il vit sa propre personne. absorption.
L'esthétique du film reflète très bien le cinéma des années XNUMX où de nombreuses bandes policières ont été tournées, essentiellement violentes, où l'action est rapide. Tous les personnages d'origine polonaise, sa femme, son ami policier, mourront, car Stanley pénètre dans l'altérité, cherche à être un autre, à devenir un Américain cosmopolite et riche. Comme cela s'est produit avec Michael dans The Hunter, ce dernier change alors qu'il est déjà dans l'armée, on le voit encore plus distant, il a mis de côté ses racines et ne s'arrête pas quand ils lui préparent une fête de bienvenue, après la guerre, il s'est métamorphosé en un autre être, ce qui ne l'empêchera pas de chercher Nick au Vietnam ou de continuer à se passionner pour la petite amie de Nick, il y a toujours des traces de ce qu'il était.
Comme dans les autres films de Cimino, le personnage de Stanley survit et d'autres meurent, comme s'il portait dans son destin un espace de lumière face à la mort qui l'entoure. Dans l'interprétation mesurée et ajustée de Mickey Rourke, on peut voir ce halo qui le sauve toujours, il peut être dans les plus grands dangers, mais il sort toujours indemne des croisades dans lesquelles il se trouve.
L'autre personnage, Joey Tai, le gangster chinois, est l'alter ego de Stanley, tous deux se mesurent, s'admirent et savent qu'il ne peut en rester qu'un. Il y a une épopée dans tous les films de Cimino, très présente aussi dans Heaven's Gate (1980), un film incompris mais très beau, qui représente le crépuscule d'un monde qui n'est plus ce qu'il était. Aux yeux de Kris Kristofferson on voit que l'occident a changé, un nouveau monde commence et on ne sait pas où mène cet univers qui commence à se dévoiler. Cimino filme toujours ses personnages avec amour, il les regarde et les emmène sur le terrain des émotions, on le voit dans les pensées de Michael dans The Hunter, quand après la guerre il ne peut plus tuer le cerf, tout a changé autour de lui. Tout comme dans ce film, au moment où Stanley sait qu'il doit s'arrêter, il y a trop de morts et il ne sert à rien de continuer à semer le chaos qu'il a commencé.
Cimino a été accusé à plusieurs reprises d'être raciste pour avoir compris que le bien est toujours blanc et que les Chinois ou toute autre race représentent le mal. En fait, c'est une simplification de son regard, qui s'arrête sur les personnages et les condamne ou les sauve à jamais.
Basé sur un roman dans lequel sa femme ne meurt pas et son amant ne se fait pas violer, l'idée de Cimino est de changer le destin du personnage. Pour cette raison, dans la séquence finale, lorsqu'il reste avec son amant sur le pont, Tai déjà mort, on se rend compte que Stanley White disparaît également, il ne reste plus rien de qui il était, maintenant il n'est plus que l'homme déraciné qui a accepté le jeu et en gagnant il a vraiment perdu.
Ce film est très bien situé dans ce cinéma des années 1983 où les bandes policières ont triomphé, avec un rythme très rapide. Bien qu'ils n'étaient pas aussi parfaits techniquement que les films d'aujourd'hui, ils contenaient une fraîcheur qui nous manque cruellement. Pouvoir aussi voir un bon acteur comme Mickey Rourke à ses heures de gloire, avant le déclin de cet acteur qui fut le fameux "garçon à moto" dans Street Law (XNUMX) de Francis Ford Coppola, à l'époque où Ça semblait être un nouveau Brando, quelque chose qui n'est jamais arrivé et qui s'est estompé dans notre mémoire cinéphile.
L'amour de deux êtres sans âge
Jaime de Armiñan a réalisé El nido en 1980, un film qui contient de grandes doses d'affection et a été tourné en grande partie dans la ville de Salamanque, également à San Martín del Castañar, car le paysage est important dans ce film. Les scènes où le protagoniste, Alejandro, joué par Hector Alterio, se promène avec Goyita (Ana Torrent), sont un délice de sensibilité, car l'histoire d'amour entre les deux est toujours vue avec tendresse et modestie, à aucun moment ne dépasse cette affection entre deux des êtres qui sont dans leurs solitudes.
Salamanque, qui est une belle ville, où la Plaza Mayor devient un espace d'une beauté incomparable, où la culture brille et où l'on peut voir le presbytère où le grand Unamuno a souffert et enseigné, devient dans le film une lumière qui laisse des étincelles , car Alterio promène son regard solitaire à travers les coins de la ville. Son interprétation mesurée et soignée donne au film un grand magnétisme, puisque Héctor Alterio est un grand acteur qui a toujours montré sa force dans les rôles qu'il a interprétés.
L'histoire raconte la rencontre de cet homme, originaire de Salamanque, avec Goyita, une jeune fille de treize ans qui rappelle peut-être la Lolita de Nabokov, mais sans la méchanceté de la jeune femme, qui, on s'en souvient, devint l'inévitable tentation pour un homme mûr. homme (dans le film de Kubrick, James Mason était génial dans le rôle du protagoniste mature et la jeune Sue Lyon a brillé de mille feux dans le film).
Goyita est sensible, passionnée et a le sens de l'humour. On apprécie le changement qu'Ana Torrent avait déjà subi, passant de la fille de L'Esprit de la Ruche à la jeune femme de ce film, où il y a plus de dialogue et plus d'expressivité dans son interprétation. L'actrice espagnole a aussi doté ses personnages (plus tard, Tesis) d'une certaine étrangeté, comme si en regardant elle laissait toujours des choses à dire, car le regard d'Ana a toujours marqué ses interprétations (le regard de la fille qui regarde le monde de adultes dans L'esprit de la ruche).
Les jeux de la forêt, l'aisance entre les deux. Alejandro est un homme malheureux, dans la maturité de sa vie, âgé d'une cinquantaine d'années, mais il semble plus âgé. Les espaces ouverts sont importants, car ils jouent un rôle fondamental, ce sont les espaces où l'un et l'autre se promènent, comme si le film évitait les environnements clos, car dans ceux-ci peut se développer un désir non contenu, que le film évite toujours. Il ne s'agit pas, pour Armiñan, de décrire un monde sale, mais tout le film est joué avec ingéniosité et tendresse. On peut comprendre comment un homme plus âgé s'harmonise avec une jeune femme, car cela lui apporte une spontanéité et une joie qu'il perd avec le temps. Ce désir de retrouver cette harmonie vitale est présent dans le film et bat à tout instant.
La mise en scène reflète la vulnérabilité des deux personnages, où l'on ne sait parfois pas qui est le plus fort car Goyita, malgré ses treize ans, a souvent la sécurité vitale que n'a pas Alejandro. Celui-ci rappelle Aschenbach de Mort à Venise, le roman de Thomas Mann, dont Visconti a tiré son chef-d'œuvre, Mort à Venise, car il regarde Goyita comme s'il était son Tadzio. Il y a une telle rougeur, une telle délicatesse, qui est présente dans le bon travail de ce grand acteur qu'est Alterio.
Avec la photographie de Teo Escamilla et la musique d'Alejandro Massó, El nido est un film intimiste et beau qui aborde avec soin un sujet qui pourrait être censuré aujourd'hui, compte tenu du courant puritain qui nous entoure et qui conduit à censurer les grands classiques du cinéma pour raisons peu claires.
Les acteurs secondaires sont formidables, Luis Politi brille dans ses dialogues, Patricia Adriani démontre sa fraîcheur et son aisance à l'époque où elle se faisait remarquer au cinéma, Agustín González est toujours aussi formidable.
Nous sommes face à un film où la ville de Salamanque, avec sa beauté, est encore un autre personnage, témoin de ces rencontres, de ces dialogues, de cette tendresse. De plus, c'est un film qui ne perd jamais son rythme, même s'il est un peu lent, il nous envoûte par sa délicatesse.
Comme dernier détail, mentionnons qu'Ana Torrent a remporté le prix de la meilleure performance féminine au festival de Montréal pour ce film. Son regard énigmatique prévaut dans ses interprétations ultérieures.
El nido est un film qui ne serait peut-être pas tourné aujourd'hui, mais l'air nostalgique de cet homme qui veut retrouver cette joie perdue à travers la jeune femme demeure. Ce n'est qu'avec tendresse et amour pour les personnages que nous pouvons comprendre ce beau film, tourné en grande partie dans la ville de Salamanque.
Vues du cinéma dans le cinéma
Lorsque nous recommençons, nous le faisons parce que nous croyons que nous pouvons améliorer le passé et rendre le présent meilleur. Bien des fois, nous essayons de reconstruire un amour raté, un mariage brisé, mais nous cherchons aussi dans notre essence ce que le temps a brouillé. Ce sujet a été abordé à plusieurs reprises dans le monde du cinéma, pas seulement dans le film mémorable de Garci du même titre, où deux personnes âgées qui ont vécu un passé qui n'a pas pu porter ses fruits se retrouvent lorsque le temps a passé.
Mais aussi dans le monde du cinéma le sujet de la résurrection d'une vieille gloire du celluloïd a été abordé, Billy Wilder l'a très bien fait dans Fedora, mais aussi Robert Aldrich dans le film que je vais commenter : La Légende de Lylah Clare ( 1968) . Le long métrage, qui a été produit, toujours par Associates et Aldrich, raconte l'histoire d'un projet maudit, d'un film qu'on pensait voir se matérialiser il y a longtemps, mais qui ne s'est pas réalisé.
L'histoire commence lorsqu'un découvreur de talents hollywoodiens découvre une femme Elsa Brinckman (jouée par Kim Novak) qui ressemble fortement à Lylah Clare, un vieux mythe érotique hollywoodien, décédé il y a quelques années dans d'étranges circonstances. Ce découvreur de talents se rend compte de la nécessité de réaliser un biopic racontant ce qui est arrivé à la célèbre star. Ce projet devient pertinent lorsque Lewis Zarkan (Peter Finch) rencontre la jeune femme. Zarkan était le mari de Lylah et il tombe amoureux d'Elsa, car elle ressemble à la réincarnation de sa femme. Elsa se laisse modeler par Zarkan et perd toute sa personnalité pour assumer, pendant le tournage du film, le rôle de l'actrice décédée.
Sans aucun doute, avec cet argument, on peut déjà voir un souvenir du sosie dans Vertige d'Hitchcock, où Kim Novak assume également ce rôle lorsque James Stewart la poursuit à travers San Francisco. L'actrice, en fait, sert de prétexte à Aldrich pour analyser également l'ascension de Novak dans le monde du cinéma et son déclin correspondant, bien qu'elle soit encore une jeune femme. N'oubliez pas que Kim Novak a connu le succès dans les années cinquante et a commencé à décliner à la fin des années soixante.
Les interprétations de Peter Finch, en tant que mari de Lylah, qui entend ressusciter son image, recommencent avec un amour qui n'existe plus, car elle n'est plus la même femme. Alors qu'il vit à Zarkan, il lui reproche d'avoir exploité sa femme comme un mythe érotique et d'avoir précipité sa mort. Finch donne force et crédibilité au personnage (n'oublions pas quel excellent acteur Finch était et comment il a remporté un Oscar posthume pour Network dans une brillante performance). L'autre grand personnage de ce film est Ernest Borgnine qui interprète Barney Sheean, le directeur du studio auquel Zarkan se rend à la recherche de financements pour son film. Le rôle de Borgnine est excellent, car il correspond au type de producteur de l'époque, grossier et aux gestes un peu grossiers, mais avec une fine intelligence pour chercher le succès, comme l'étaient les producteurs de l'âge d'or du cinéma.
Le problème du film qui est certainement intéressant pour refléter le monde du cinéma, c'est la façon dont il est réalisé. Dès le départ, il y a une volonté documentaire, qui tente de rapprocher le film du cinéma vérité. Le réalisateur veut nous raconter une histoire et il le fait à la manière du Citizen Kane de Welles, en écoutant les opinions d'un autre pour tracer l'intrigue du film. Cette façon de démarrer la bande était largement utilisée dans le cinéma classique, non seulement dans le film de Welles, qui serait le modèle à suivre, mais aussi dans des films aussi prestigieux que La Comtesse aux pieds nus ou Captives of Evil. Cette idée d'interviewer les autres pour rencontrer un personnage déjà mythifié prévaut dans le film, ce qui nous fait croire que la célèbre actrice a existé ou qu'au moins quelqu'un a vécu qu'Aldrich suit énergiquement. En fait, c'est aussi une radiographie, comme je l'ai déjà mentionné, de l'ascension et de la chute de Kim Novak, une actrice éphémère d'une beauté remarquable, qui n'a pas maintenu son glamour au-delà des années cinquante et soixante. En fait, le poids d'une grande actrice, qui aurait maintenu sa force tout au long des décennies suivantes, n'était pas non plus apprécié en elle.
La dernière partie du film, où l'on raconte l'accident domestique qui a coûté la vie à Lylah Clare, est filmée de manière plus standardisée et est emportée par une ambiance plus théâtrale qui éloigne le film de la proposition précédente, où il respirait plus de le zèle documentaire. Cette torsion nuit au film, car elle reflétait une Lylah Clare plongée dans les dépressions de nombreuses actrices à succès, puisqu'elle se casse le cou en état d'ébriété chez elle et se précipite dans les escaliers. La mort d'Ellen elle-même dans une situation similaire nous donne l'idée, spectateurs, de nous retrouver devant un déjà-vu, un recommencement, car tout le film est centré sur cette volonté de mettre une femme comme si elle était le miroir d'une scène érotique. mythe du cinéma.
Incontestablement, le film contient des réussites car il reflète très bien le monde du cinéma, ses contradictions, ses vérités et ses mensonges, et les interprétations de Finch et Borgnine donnent de la crédibilité à l'histoire. Kim Novak donne au rôle un air mélancolique et triste, car elle était aussi une star brisée, pas poussée à l'extrême de Lylah Clare (l'actrice vit à la retraite à quatre-vingt-neuf ans), mais au fond on veut savoir quelque chose plus sur l'intérieur de Lylah et Kim, car au fond d'Aldrich sait que le monde du cinéma peut aussi être très destructeur.
Comme si ça recommençait, une vie brisée (celle de Lylah) avec celle d'Ellen, un destin tragique pour ce monde de rêve où tout n'est pas glamour et où il y a aussi des ombres après les applaudissements des spectateurs (il suffit de se souvenir de Judy Garland, Marilyn Monroe, Monty Clift et d'autres mythes tombés en disgrâce étant de grandes stars). Lorsque le film se termine, nous nous retrouvons avec le regard de Kim Novak, comme s'il criait de recommencer.
Cinéma et alcool, sous le volcan
Sans aucun doute, au cinéma, il y a eu de nombreux moments où les personnages trinquent avec de la bière, car le rituel de la fête et de la boisson a toujours été lié au cinéma. On ne peut pas oublier comment Errol Flynn et Tyrone Power, deux grands acteurs du cinéma et gâchés par leur mort prématurée, trinquent à Fiesta (1957), réalisé par Henry King, d'après le roman d'Ernest Hemingway et tourné en Espagne.
A côté de la fête, le thème de l'alcoolisme, qui a également eu un sacré retentissement au cinéma avec des films comme Days Without a Trace, réalisé par Billy Wilder en 1945 ou Days of Wine and Roses, réalisé par Blake Edwards en 1962. Mais le le film dont je vais parler est basé sur le roman de Malcolm Lowry, publié en 1947, c'est Under the Volcano (1984), réalisé par John Huston et interprété par Albert Finney dans le rôle du consul Geoffrey Firmin), Jacqueline Bisset dans le rôle d'Ivonne, sa femme et Anthony Andrews dans le rôle de Hugh Firmin, le demi-frère du consul.
Avec ces osiers, on tente d'adapter un roman complexe, dont les détails sont très intenses, car tout est tissé d'un langage dense, où tout devient pertinent. Lowry écrit lentement, pensant à un univers que seul Firmin voit, un espace où l'alcool et la ville de Cuernavaca sont des protagonistes évidents. Tout cela parce que Firmin ne peut s'empêcher de boire, il est alcoolique, cette pathologie a détruit son mariage et il a jeté sa belle épouse Ivonne dans les bras de son demi-frère.
La difficulté d'adapter au cinéma un roman complexe, plein de descriptions de plantes, de paysages, de ciels, de nuages, de chevaux, était énorme. Non seulement Huston avait pensé à l'emmener au cinéma, mais aussi Luis Buñuel, Jules Dassin et Joseph Losey, entre autres.
Huston avait lu au moins vingt scénarios différents, afin d'adapter le roman, jusqu'à ce qu'il décide finalement de le faire. Réalisé par Moritz Borman et Wieland Schulz-Keil, le film ne peut aborder cet univers complexe de l'écrivain (il faut rappeler que Lowry était aussi alcoolique et que dans le roman il exprime toutes ses obsessions), mais à travers le scénario de Guy Gallo, que espace de personnages qui vivent la vie comme un rêve, car le consul n'accède jamais à une réalité, mais tout reste dans son monde, fait de livres et d'alcool. Comme il ne peut pas boire de mezcal, parce que c'est interdit, il va dans les bars jusqu'à l'aube et boit de la bière et du whisky. Pour cette raison, son monde se reflète dans ces tanières où d'autres ivrognes passent la nuit, il est un de plus dans cet espace de dégradation.
Le film n'a pas été tourné à Cuernavaca, mais à Morelos, également au Mexique, où les Mexicains ont cet air spectral qui les caractérise, vu ici à travers les promenades de Firmin, sous le regard d'un brillant Albert Finney, un acteur qui donne au personnage une grande authenticité. . Seuls des acteurs comme Finney pouvaient donner au protagoniste une présence aussi digne mais pathétique. Je pense à d'autres grands du cinéma anglais, comme Richard Burton ou Peter O'Toole qui auraient pu être excellents dans le rôle aussi. A ses côtés, la beauté de Jacqueline Bisset, car Ivonne est la promesse, la beauté qui ne mourra pas, mais qui, malgré l'amour qu'elle porte au consul, refuse de se laisser emporter par le monde de l'alcool, bien qu'à son retour à Cuernavaca après ses adieux et la rupture de son mariage, il accompagnera Firmin dans ses visites aux cantines.
La vie de Firmin est racontée par Huston, avec son style profond et puissant, car le réalisateur sait filmer avec soin le visage du consul alors qu'il boit de la bière dans un joint, sans oublier les Mexicains qui l'entourent. Tout cet espace est filmé avec authenticité et rigueur, on ne peut détacher les yeux du visage du grand Finney.
La vie du consul, dans le court laps de temps décrit dans le film (qui est le même que dans le roman jusqu'à l'issue fatale), passe par plusieurs étapes. On le voit lorsqu'il se promène parmi les tombes décorées des morts (on sait déjà l'importance que les Mexicains accordent au sujet de la mort), étant un homme inconscient du paysage et de la culture qui l'entoure. Ivre à plusieurs reprises, Firmin jouit d'une énorme culture, mais n'a pas su canaliser son énorme intelligence. Sa peur de la vie l'a conduit à l'alcool, son inaction à parcourir les cantines et à toujours demander à boire, négligeant ses proches. Tout se passe le jour de la Toussaint et dans le roman, le Dr Vigil et M. Laurelle jouent un match de tennis et se souviennent de Firmin et de leur histoire d'amour, avec la fameuse phrase du roman : « On ne peut pas vivre sans aimer ».
Dans le film, l'acteur Ignacio López Tarso joue le Dr Vigil, dans son rôle de démiurge il est l'autre voix de Firmin, la voix sobre de son ami. Le rôle de Hugh, son demi-frère, qui a eu des relations avec Ivonne est également important. Dans leur nouvelle rencontre, tous deux restent amis, mais déjà dans la distance affective. Ivonne veut juste récupérer le consul et l'éloigner du Mexique. La grande beauté de Jacqueline Bisset accentue ce magnétisme dont parlait Lowry dans son roman. Ivonne n'est pas la plus belle, mais elle a ce charme et cet attrait qui restent pour toujours. Hugh a combattu dans la guerre civile avec les républicains et son rôle de soutien pour elle disparaît progressivement dans le film. Il n'y a plus de fils entre eux, ce sont des êtres désolés, abandonnés à leur sort.
Alors que Firmin boit de la bière au bar, il peut voir le mezcal, la boisson qui l'a rendu alcoolique et sur laquelle il reviendra à la fin du film, car il sait qu'il n'y a plus de destin ni d'avenir, sa vie doit s'arrêter là. De manière presque accidentelle, il est tué, car l'absurde est présent dans sa vie. Quitter l'autre boisson et retourner au mezcal est une manière de sceller son échec vital. Couché dans la boue, dans le dernier acte de sa vie, comme un ivrogne anonyme, il s'exclame : "Quelle façon dégoûtante de mourir !"
Les taureaux apparaissent quand Hugh combat un veau, l'ambiance des pauvres Mexicains, les bars, la chaleur suffocante, tout cela imprègne le film d'un épuisement vital, d'une sensation d'agitation permanente, mais le grand mérite est face à Finney qui exprime l'abandon à la vie. Le grand acteur qui a déjà montré son talent indéniable dans de nombreux films donne à son rôle tout l'égarement de l'existence et tous les dégâts que l'alcool lui a fait subir. Huston le suit, le filme, le scrute, comme s'il était un commis à la recherche d'un code secret.
Sans la complexité du roman, qui est sans aucun doute un chef-d'œuvre, le film est une digne adaptation d'un univers complexe qu'a vécu Malcolm Lowry lors de son séjour au Mexique dont il a finalement été expulsé en raison de son alcoolisme. La vie de Lowry a été écourtée à un très jeune âge, car comme son personnage, il a choisi les mauvaises cartes à jouer.
perdants au cinéma
Il y a des films qui survolent le thème du perdant, des êtres condamnés à ressentir l'échec dans leur chair, comme Taxi Driver (1975) de Martin Scorsese, où la solitude devient un enfer qui mène à la folie. Il y a aussi des perdants qui tentent de se sortir de cet échec, comme Eddie Felson dans The Hustler (1961) de Robert Rossen, un film magnifique où Paul Newman était génial. Une nouvelle version de ce personnage qui ne cesse de jouer sa chance au billard, qui accueille une fille (Piper Laurie) dans une relation vouée à l'échec, n'était pas prévue, mais c'est arrivé, en 1986 sort La Couleur de l'argent, réalisé par Martin Scorsese, l'un des réalisateurs les plus impressionnants et les plus brillants de ces dernières décennies.
L'histoire du film a commencé lorsqu'en septembre 1984, après la fin du tournage d'After Hours et alors qu'il était à Londres, Scorsese a reçu une lettre de Paul Newman lui proposant de rejoindre le projet de La couleur de l'argent, car ce Newman avait été impressionné en voyant Raging Bull (1980) et était convaincu que Scorsese était le bon réalisateur pour ce retour du personnage d'Eddie Felson.
L'histoire était basée sur le roman de Walter Tevis, le même auteur du roman qui a donné naissance à The Hustler, qui ressemblait clairement à une suite de l'histoire de Felson. Le projet Color of Money errait depuis cinq ans dans les studios hollywoodiens, avait atteint Columbia et la Twentieth Century Fox sans jamais se concrétiser en un projet ferme. Mais l'intérêt d'un homme puissant comme Paul Newman et de son agent, le célèbre Mike Ovitz, a fait que le projet a commencé à prendre vie. Deux vieilles connaissances de Scorsese, Michael Esiner et Jerry Katzemberg, qui souhaitaient déjà travailler avec le réalisateur depuis leur passage à la Paramount, sont venues à bord. Ils étaient maintenant des cadres supérieurs chez Touchstone Pictures et étaient déterminés à faire le film en tant que producteurs.
La preuve de l'implication de Newman dans le projet est le fait qu'il a dû hypothéquer une partie de son salaire pour que Touchstone accepte le budget de 1986 millions de dollars. De plus, Scorsese s'est fait dire qu'il était interdit de reprendre le tournage en noir et blanc s'il voulait avancer avec le film. Le tournage a commencé en janvier XNUMX, s'est achevé en quarante-neuf jours et avec une économie d'un million de dollars. Il n'y a pas eu d'improvisations dans le film et le travail de Newman et d'un jeune Tom Cruise a été préparé deux semaines à l'avance. Pour les scènes de piscine, un instructeur, Michael Sigel, et divers joueurs professionnels ont été impliqués. Le film a été tourné dans diverses salles de billard à Chicago, bien que Toronto ait été initialement envisagée.
Il est important de préciser qu'il ne s'agit pas d'une suite car Scorsese donne de la personnalité à son projet et l'éloigne du film de Rossen (il faut dire que ce dernier était magnifique), puisque dans La Couleur de l'argent Eddie Felson ne comprend plus la défaite comme une fin, mais il saura supporter l'échec, il comprendra que cela fait partie de la vie. S'il y a quelque chose d'autodestructeur dans le personnage, à l'instar d'autres protagonistes de Scorsese tels que Travis, Jimmy Doyle et Jake La Motta, Felson s'est déjà racheté. Il a vécu vingt-cinq ans d'enfer (il faut se rappeler que dans The Hustler, Eddie abandonne le billard lorsque les hommes du personnage incarné par George C. Scott lui détruisent la main). Maintenant, Eddie cherche un successeur, quelqu'un qui peut être lui de nombreuses années plus jeune et il le trouve dans le coq Vincent (très convaincant Tom Cruise dans le film) qui arrive avec sa petite amie Carmen (Mary Elizabeth Mastrantonio), maintenant, Eddie est le maître, qui se soucie moins de gagner que de laisser sa marque sur le disciple.
Quand Vincent connaît déjà, grâce à Eddie, les pièges, ruses et petitesses du métier, Eddie sait qu'ils doivent se séparer. Il y a sans aucun doute une relation père-fils entre les deux. Quand Vincent se laisse gagner par Eddie, c'est une forme d'humiliation, mais c'est aussi une offrande, la démonstration du don que le disciple veut faire au maître, son signe de gratitude.
L'idée du père est inhabituelle dans Scorsese, car ils ne sont jamais apparus dans d'autres films, Travis était seul, on ne sait rien de sa famille, Jimmy Doyle non plus et La Motta non plus, ce sont des êtres solitaires sans protection, qui ont personne à admirer ou à imiter. Dans le cas de La Couleur de l'argent, cette symbiose maître-disciple prend tout son sens. Il y a aussi quelque chose de mythique, Scorsese pose un changement générationnel, le Cruise à l'époque du film est un miroir du jeune Newman lorsqu'il tournait The Hustler.
Il y a sans doute une faillite, en ne connaissant pas le passé de Felson dans le film de Scorsese, il nous est difficile de comprendre la dimension épique de sa rédemption, puisqu'Eddie s'est rendu coupable de la mort de Sarah (Piper Laurie) et en conséquence a été puni au billard , Comme La Motta était sur le ring, il y a sans doute un espace que La Couleur de l'Argent ne découvre pas et que seuls les cinéphiles peuvent démêler. Ce qu'Eddie fait, c'est expier sa culpabilité à travers le personnage de Vincent, en essayant de le faire ne pas tomber dans les erreurs du jeune Eddie. Un aperçu du passé aurait été bien pour mieux comprendre l'objectif sous-jacent du film et sa volonté de créer un nouveau joueur de billard sans les imperfections que le vieux Felson a déjà à vie.
Et, sans aucun doute, le titre explique beaucoup de choses, parce que l'argent a une couleur, aussi un poids et une odeur, on voit continuellement les dollars et on sent que tout cet argent est aussi l'âme des personnages, ils sont leur empreinte vitale, la sacrifice auquel ils se soumettent pour réussir. La chance de gagner ou de perdre est aussi présente, ce sont des êtres qui risquent tout, sachant au fond que rien ne vaut vraiment le coup. Seul le rite du jeu les motive, pas le gain ou la perte, ils vivent dans l'instant, où ils sont heureux dans cet effort pour être les meilleurs.
Sans aucun doute, Scorsese transfère le ring Raging Bull au billard, pour construire un film de rédemption avec un acteur de grand charisme, véritablement magnétique comme Paul Newman, dont le regard cache tout un monde qui ne nous est pas révélé mais que cinéphiles et connaisseurs de The Hustler nous le connaissons. La fille et le rôle de Cruise lui donnent une bonne réplique, car le jeune homme impétueux doit être corrigé par le joueur vétéran. Il faut reconnaître que Cruise conserve une fraîcheur dans son rôle qui se perd avec le temps.
Et comment les balles bougent comme si elles étaient des gestes de la vie, comme les coups dans le ring, nous parle finalement d'un film émotionnel et intense, un grand film, où Scorsese a pour objectif de parler des perdants et des gagnants sur la scène de l'existence . Les musiques sont excellentes, comme My Baby's in Love with Another Guy, la chanson de Robert Palmer enregistrée par Little Willie John, elles sont indispensables pour accompagner ce duel existentiel entre deux hommes devant le billard.
Il y a un mouvement différent chez Scorsese par rapport au film de Rossen, un aménagement des tables de billard, une "extravagance visuelle" qui fait que ce film reste dans nos mémoires, car il parle d'échec et de rédemption (avec une magnifique photographie de Michael Ballhaus), un des thèmes les plus intéressants de la filmographie du grand réalisateur américain.
la solitude au cinéma
Il y a beaucoup de films qui reflètent la poésie qu'ils portent en eux dans leurs images, mais il y a un réalisateur qui a réussi à faire de la lenteur de son cinéma, rongé par les regards et les silences, un espace où le poétique devenait pertinent. Je fais référence à Michelangelo Antonioni, réalisateur d'œuvres telles que La Nuit, L'Aventure, Blow Up et bien d'autres.
Le paysage dans la brume qui apparaît au début du Désert rouge (1964) pose déjà un regard sur un monde qui semble perdre sa lumière, enveloppé d'ombres. Un homme se promène dans un paysage gris accompagné de sa fille et une femme se promène avec son fils dans un paysage boueux avec des débris industriels. C'est tout un monde qui se déploie dans ce film qui se déroule à Ravenne : des formes industrielles gigantesques, le décor sonore des machines et des chaudières qui accompagnent le silence des personnages comme un bruit continu. Dans ce bruit ambiant bat une métaphore de l'isolement, thème essentiel du cinéma d'Antonioni, où le bruit extérieur contrecarre le silence des personnages, toujours enveloppés dans l'écheveau de leur solitude.
Giuliana (Monica Vitti) promène sa solitude quand elle se promène avec son fils dans l'extrême solitude d'un monde d'usines, où l'espace noie tout langage. Ce désert rouge qu'est l'espace qui les entoure, où elle est tiraillée entre deux hommes : Ugo (Carlo Chionetti), un ingénieur chimiste absorbé par son usine, et Corrado (Richard Harris), un ingénieur chimiste nomade à la recherche d'ouvriers pour le suivre. à la Patagonie. Mais, malgré ces deux hommes, Giulana est seule, elle erre avec son fils dans un paysage spectral qui la brouille.
Giuliana a peur de tout ce qui l'entoure, avec un passé marqué par un accident de la circulation, c'est pourquoi elle traverse ce monde spectral sans s'arrêter, pour suivre un itinéraire sans but, mais sans pause. Il y a une volonté d'Antonioni d'imprimer de la poésie dans un monde réaliste, où les usines qui semblent exprimer la pollution et le bruit peuvent avoir une calligraphie émotionnelle et poétique. Pour le réalisateur, comme il l'a avoué à Godard dans une interview, les lignes, les courbes des usines peuvent imprimer plus de poésie qu'un arbre qui a toujours été un lieu de recueillement pour les poètes.
Et l'importance de la couleur, car un état d'esprit bat dans le chromatisme du film, les personnages expriment leur tristesse de vivre dans le gris qui peuple le paysage, dans les entrepôts que la femme trouve, peuplés de verts et de bleus, le blanc dans ses allées et venues autour de la maison, la nuit. Très intéressante est la séquence où Corrado (un Richard Harris extraordinaire) rend visite à Giulana (Monica Vitti donne à son rôle authenticité et mystère) dans son magasin vide aux murs blanchis à la chaux dans des tons froids. Comme dans d'autres films d'Antonini, les regards et les silences prédominent, parfois une courte conversation comme si les pensées des personnages ne donnaient pas naissance au langage qui est loin de ces rencontres, conçues pour les autres sens.
L'image poétique est la chute de la page d'un journal quand ils sortent dans la rue parce qu'elle reflète l'éphémère de tout, l'expiration de la vie, le léger passage de l'être humain, fragile et silencieux, à travers le monde.
Il y a aussi une capacité d'imagination dans le film quand Giulana raconte à son fils malade une histoire où le bleu du ciel et de la mer et le rose du sable abondent, le tout tamisé de couleurs, car le film remplit l'environnement de couleur, le dote de la lumière, crée des ambiances chez les personnages à travers les couleurs.
Il y a une référence claire à des peintres tels que Matisse et Morandi dans les décors et dans sa couleur. La peinture de Matisse a enthousiasmé Antonioni et ici il la montre dans cette volupté qui prédomine dans le film, quand les usines, les maisons et la nature sont montrées.
La référence aux natures mortes et aux paysages de Giorgio Morandi est également présente dans le film. Des exemples de l'influence de Morandi dans le film peuvent être trouvés dans le papier abandonné dans la rue, dans les cylindres bleus du hangar où l'ingénieur rassemble les ouvriers, ou la maison où Corrado et Giulana se rencontrent. On le voit sur le mur, la table et la tapisserie, sur les végétaux, tout rayonne de cet univers du peintre où tout est espace qui exprime sa solitude intérieure.
Il ne faut pas oublier la photographie de Carlo di Palma qui laisse des images de temps mort, d'êtres en attente, comme s'ils ne pouvaient ressusciter que si quelqu'un leur donnait la vie. Ce sont aussi les personnages, enveloppés dans un environnement qui a beaucoup de néoréalisme mais qui inclut aussi un certain surréalisme dans son paysage onirique, qui donnent vie à cet espace oppressant, mais malgré cela ce sont des êtres blessés qui cherchent à se retrouver pour se sentir vivant et faire revivre un environnement également enveloppé d'ombres.
Antonioni réalise l'un de ses meilleurs films et dans cette lenteur qui caractérise son cinéma, nous pouvons voir l'âme des personnages, leur rythme cardiaque et leur place dans l'espace, un autre protagoniste du film, ainsi que la couleur qui devient pertinente dans les ambiances de ces êtres vaincus par la vie. La poésie que dégage le film en fait l'un des plus intéressants et séduisants du réalisateur italien.
quand l'amour tue
Parfois, l'amour devient difficile parce que nous sommes confrontés au dilemme de choisir la personne avec qui nous sommes et une autre qui apparaît et change notre vie. Avec ces osiers, Truffaut, le grand réalisateur français, a réalisé le film La Femme d'à côté en 1981. Sans aucun doute, nous sommes face à un film où l'amour devient impossible car Bernard (Gérard Depardieu) est marié à Arlette (Michele Bangartner).) , tout va bien jusqu'au retour d'un amour du passé de Bernard, Mathilde Bouchard (Fanny Ardant), désormais voisine du couple.
Toute l'histoire est racontée par un personnage nommé M. Jouve, qui les rencontre au club de tennis. Ce personnage voulait se suicider autrefois pour un amour impossible, maintenant il regarde les visages de Bernard et Mathilde et connaît le destin tragique qui les conduira au drame. L'histoire a une fin terrible, puisque Mathilde va tuer Bernard et se suicider, car elle est consciente de l'échec de l'histoire d'amour, de ce destin fatidique qui entoure leur vie.
Truffaut tourne le film avec élégance, avec ce regard attendri sur les personnages, mais sans exagérer dans le drame. Le scénario de Suzanne Schiffman et Jean Aurel donne au film cette authenticité, ces dialogues qui structurent tout un espace de solitude. Ce sont des êtres qui s'aiment mais qui savent que le monde ne leur offrira pas d'opportunité, ils sont voués à échouer dans leur amour.
La Femme d'à côté est un film qui caresse, qui aborde le spectateur sous les visages de deux comédiens en état de grâce, Depardieu, malgré sa grossièreté habituelle, est tendre et immature, Fanny Ardant est vue par Truffaut comme s'il la peignait , il regarde son visage, ses gestes, il la suit à travers des plans où l'on voit une belle femme en crise. C'était un grand amour pour Truffaut et ça se perçoit dans le film, il y a une façon particulière de regarder l'actrice comme si en la filmant elle lui déclarait sa flamme.
Il ne faut pas oublier que Fanny Ardant a été la dernière femme qui a vécu avec Truffaut et a été présente dans les moments les plus durs de sa vie, lorsqu'on lui a diagnostiqué la tumeur au cerveau qui a mis fin à ses jours à l'âge de cinquante-deux ans.
Dans le film, qui n'a pas beaucoup d'intrigue, puisqu'il se concentre sur leurs rencontres au club de tennis, sur les dialogues, mais qui laisse peu à peu le résidu d'une relation qui est amour fou, amour maudit parce qu'il doit se terminer en la tragédie.
La couleur du film est remarquable, avec ces couleurs pâles et douces qui caractérisent une partie de la filmographie du réalisateur français. A certains moments, le réalisateur prend ses distances, évite la passion, regarde ses personnages pour qu'ils expriment avec leur visage l'amour qu'ils ressentent, comme s'il était un démiurge tirant les ficelles de la vie des êtres qu'il filme.
Les scènes d'intérieur, dans la chambre où ils s'aiment, gravitent dans le film comme un espace qui prend de l'importance. Ils se regardent, discutent, se touchent, mais ils savent que la tendresse ne dure pas, il y a quelque chose d'éphémère dans leur regard, comme s'ils savaient déjà, avant qu'il n'arrive, que le destin sera tragique.
Il y a sans doute une influence latente du regard du romancier Henry James, qu'il a adapté dans The Green Room, car il a présenté dans ses romans un monde de personnages étranges, comme cela se produit dans cette histoire d'amour et d'échec.
Sans aucun doute, La femme d'à côté, montre un sommet dans le cinéma de Truffaut, qui a perfectionné son univers de regards, les visages qu'il cisèle en les contemplant et représente un saut vers la maturité de ce cinéma avec Antoine Doinel comme protagoniste. Désormais, ses personnages vivent le repos d'un passé qui les tourmente mais qui ne produit plus de cabotins, comme la Doinelle des baisers volés (1968), par exemple.
Quelque chose a changé dans le regard de Truffaut et Depardieu représente ce passage à la maturité, c'est un homme fatigué, malgré son jeune âge, qui porte encore un enfant à l'intérieur, mais il est déjà pressé, comme Doinel, car il sait que son destin est déjà compliment.
LE DIVISION D'UN HOMME
De nombreux titres ont vu le jour avec le thème de l'identité, voyant comment un homme perd sa réalité lorsqu'un autre le regarde et se rend compte qu'il est le miroir du premier ou lorsqu'ils nous ont comparés à un autre et ont dit avoir vu notre double, au cinéma, le thème du double se retrouve très bien dans L'Autre Monsieur Klein, un film tourné par Joseph Losey en 1976.
M. Klein était un projet que préparait le réalisateur Costa-Gavras, sous la direction de production de l'acteur Alain Delon, qui avait fondé la société Adel Productions en 1968, qui avait déjà financé des films comme Borsalino de Jacques Deray ou La Première nuit du silence. de Valerio Zurlini.
Il y a eu des désaccords entre les personnes impliquées dans le projet et Costa-Gavras s'en est retiré, Losey était à Rome à l'époque et s'est intéressé au sujet, puisqu'il voulait aussi retravailler avec Delon, en raison du bon accueil et du bon l'harmonie qui existait entre eux lorsque Losey a tourné L'Assassinat de Trotsky.
Le scénariste de renom Franco Solinas, qui avait travaillé avec Gillo Pontecorvo, est allé travailler avec Losey sur le scénario. Le réalisateur britannique a dû se passer de son directeur artistique habituel, Richard McDonald, car il préparait la conception des décors du projet tant attendu de Losey À la recherche du temps perdu d'après le roman de Proust, qui a été frustré et n'a jamais été tourné. L'inclusion du Hongrois Alexandre Trauner (oscarisé pour son travail dans L'appartement de Billy Wilder) a été très positive pour le film.
Avec un budget de plus de trois millions de dollars, M. Klein a commencé à tourner entre Paris et Strasbourg. Cependant, les relations entre Delon, présent dans la production, et Losey, n'étaient pas aussi bonnes qu'à la première occasion, puisque l'acteur français voulait trop dominer les aspects de réalisation sans que ce soit sa mission.
Quant au film, centré sur Paris occupé en 1942, il raconte l'histoire de Robert Klein, un homme voué au commerce de l'art qui sent que sa personne est reflétée par un sosie possible, un Juif, persécuté à cette époque, qui mène la personnage à rechercher désespérément cet être caché afin qu'il ne soit pas arrêté. Klein lui-même se sent espionné par la gendarmerie, ce qui provoque une situation d'angoisse, qui s'amplifie tout au long du film, jusqu'à la fin de celui-ci, où le personnage de Klein se confond avec le Juif que les nazis conduisent dans les camps de concentration, l'art le trafiquant qui n'avait rien à voir avec les juifs devient juste un autre juif qui sera arrêté et déporté dans les camps.
Avec cet argument que j'ai résumé, Losey réalise un film intrigant où le personnage de Delon, qui joue Klein, on peut voir une structure kafkaïenne dans laquelle tout le désir de Klein est de rencontrer l'autre, le Juif persécuté. Il n'y a que des rencontres avec des gens qui connaissent le double, mais il n'apparaît jamais, sa présence est toujours celle d'un mirage qui implique peu à peu le marchand d'art dans la tragédie.
L'importance des miroirs dans le film marque l'intrigue, tout au long du film, comme dans la scène où Pierre et Klein dînent au restaurant, un chasseur appelle sans cesse l'autre Monsieur Klein, il ignore sans s'en rendre compte l'implication représentée par cet autre moi qui le suit tout le temps, qui me rappelle Avec la mort à ses trousses, quand Cary Grant est toujours persécuté par une identité qui n'est pas la sienne.
Avec des seconds rôles de luxe, Jeanne Moreau, Michel Lonsdale (comme Pierre, l'avocat de Robert Klein), Massimo Giroti, Michel Aumont, le film reflète le vide d'une identité cachée, il n'y a pas d'autre Monsieur Klein, mais pourtant, il le poursuit en permanence. .
Comme dans The Servant, l'ambiance du film est oppressante, les personnages semblent jouer un rôle pour montrer qu'ils ne sont que des ombres qui persécutent le protagoniste, le climat du film est très claustrophobe, ce qui nous rappelle aussi les films d'Orson Welles.
Le film est allé au festival de Cannes en 1976, mais n'y a pas gagné, puisque la Palme d'or est allée à Taxi Driver de Scorsese, mais il faut reconnaître que le film accroche, il nous entraîne dans un doute permanent, main dans la main avec le l'interprétation du bon Delon et la mise en scène d'un Losey en état de grâce, qui rappelle l'un de ses chefs-d'œuvre, Le Serviteur, film où l'identité est mise à l'épreuve, sommes-nous vraiment ce que nous semblons ou sommes-nous les autres ? dans un endroit différent de celui où nous vivons?
Le doute l'emporte et nous marque, on peut toujours être les autres, il y a un clivage en chacun de nous qui nous rend vulnérable, le film arrive à toucher notre identité et à nous faire réfléchir sur notre fragilité en tant qu'êtres humains, un film vraiment intéressant .